Francine

Préambule

2011-09-18T19:00:00.000-07:00

Ce blog a Francine Van Hove pour sujet principal.
- Il vient en complément du site que le galeriste du peintre, Alain Blondel, lui a déjà consacré à l'adresse suivante :
http://www.francinevanhove.com
- Pour réagir par un commentaire à un des billets, cliquer sur le titre (en orange) de ce billet.
- Dans le cas de difficultés de communication via ce blog, passer par l'adresse suivante :
swaenfr@hotmail.fr
- Enfin, comme une majorité de blogs, celui-ci se présente en ordre chronologique inverse. Pour lire tout ce qui a déjà été écrit, il faut donc remonter le temps en cliquant sur "Messages plus anciens" en bas de page à droite et répéter la manoeuvre jusqu'à aboutir à "Page d'accueil".

134) Regardez

2011-09-18T09:38:00.001-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=S8TPpLC8JhY

http://www.youtube.com/watch?v=oYZwo7nYFEY

http://www.youtube.com/watch?v=jsr5Tj7v0T8

133) Le Livre d'Or

2011-05-26T08:20:00.001-07:00

L'exposition 2011 de Francine Van Hove est terminée.
Les visiteurs ont été nombreux. Voici, respectés à la virgule près, et illustrés de détails de tableaux, les messages laissés dans le Livre d'Or.

Magnifique ! très belle exposition ! beau talent !
H.

Lu et approuvé, et toute ma confraternelle amitié.
Jean-Pierre Alaux

Pace e salute pe a Dona Francine Van hove.
La Corse est une île de lumière, lumière que je retrouve dans votre travail.

Merci encore pour cette nouvelle exposition
un regret de ne pas avoir vu le tableau avec la branche de pommier dont j’avais vu l’amorce en passant à l’atelier.
Amitiés.
M.T.

Des oeuvres magnifiques, touchantes... il n’y a pas de mots... Un vrai plaisir de pouvoir enfin les admirer. Merci pour le bonheur que vous m’apportez aujourd’hui.
Sincèrement et avec mon plus profond respect et ma plus grande admiration.
R.

Superbes dessins et peintures dans lesquels on ne sait quoi le plus admirer, la force des regards, le rendu des volumes et de la couleur, la vie...
M.

Plaisir à regarder toujours.
Félicitations.
R.

Bravo. Très belles attitudes.
J.

Une oasis de sérénité. Mille merci.
F.

Il est tout seul mais il me remplit, ce tableau d’extérieur. Les fleurs sont sublimes, et les couleurs, quel délice. Merci.
I.

Mon oeil pour lire,
Deux yeux pour voir,
et plonger dans le miroir aux
seins nus de la peinture
Bravo
J.

Une magnifique exposition une fois encore. Quel talent, quelle grâce. Enchantement.
F.

Toujours aussi merveilleux.
A.

Depuis 1974 -> toujours aussi Beau!
et B.

Quand tout paraît simple, c’est vraiment le grand style! Bravo! Francine Van Hoove.
P.

KENA TA KINA
«Ecoute / Regarde, ne parles pas.»
(Abénakis)
Un trait de plume,...
Regarde, les Arbres, les feuilles
dansent pour toi,
Un pétale de rose...
Ecoute, le vent chante pour toi.
Un visage de Grâce...
Et l’oeuvre s’accomplit sous les doigts magiques.
(... de l’autre côté de la rivière !)
la magie des roses trémières du jardin d’à côté.
amour. amitiés

Encore quelques belles endormies...
M.

Bravo Francine.
Touts les beaux tableaux comme toujours.
& K.

Nous faisons découvrir vos oeuvres à nos amis américains. Nous résidons en Arizona et nos murs sont couverts de reproductions. Magnifique.
JF

Un ravissement pour l’oeil, et l’oeil qui capte toutes ces poses élégantes ne peut être que l’âme d’une grande artiste. Merci pour ce plaisir.
L.

Un éblouissement tranquille... respectueusement
H.

Magnifique, quels détails et couleurs.
SF ou GF

Quel bonheur de contempler vos oeuvres. C’est un pur joyau où nous trouvons dans chaque tableau sensualité, repos, intimité...
J’aime admirer ces moments de plénitude en regardant toutes ces femmes.
Ce fut un bonheur après une journée de travail de venir quelques instants découvrir toute cette beauté.
Une admiratrice....

Qui faut-il admirer le plus, l’artiste ou les modèles ?
Angoisse !
Ph.

Mais la peinture, bien sûr...
Francine, je vous t’admire depuis toujours.
S.

Très belle lumière, finesse du détail.
douceur, poèsie, sensualité,
c’est admirable,
V.

Un enchantement pour les yeux. Quel réalisme dans cette peinture tout en finesse. C’est de toute beauté.
J.C.

Muy bonito
A.

Félicitations
JE

Magnifique
M.

Que de Plaisirs avec quelques peintures.
H.

Des expressions à la perfection.
Merci de nous représenter et de nous rendre compte de la réalité.
G.

... et toujours une sorte de paix...
J.

Sempre brava !
S et A.

Merci de retransmettre la Beauté et Forme de la Femme.
R.

Rien à dire
A bientôt
C.

Toujours fidèle et admiratrice de vos oeuvres, ici la beauté et la féminité sont sublimées. Un vrai régal pour les yeux!
Merci Francine.
O.

FRANCINE
J.

Je vois vos peintures «en vrai» pour la première fois. Je suis encore plus admirative. Je vais voir vos oeuvres régulièrement sur internet. Merci pour nos yeux.
L.

Nous sommes venues avec Sandra et nous avons aimé.
S.

We enjoyed the strength and clarity of the work. Stunning.
and M.

Bravo...
S.

Quelle mièvrerie !!! Triste à souhait.
B.

Telle doit être l’existence du triste sire qui a commis les lignes ci-dessus! Prions pour que son existence s’améliore au point d’apprécier enfin ce qui est beau absolument : les peintures exceptionnelles de Francine VAN HOVE
M.

Les plus belles nuques de la peinture avec Watteau.
L.

Les roses Trémières,!! imprimées sur une voie... quelle Beauté Merci chère Francine de toute cette beauté et de ton travail
Un admirateur inconditionnel.
B

J’aime le BEAU et CELA EST
Merci
L.

C’est toujours l’apaisement retrouvé en rentrant dans vos tableaux, que j’admire avec mes filles, depuis si longtemps, je ne m’en lasse pas. Croyez que c’est un compliment. Continuez à nous faire rêver !
Ah...
A tout bientôt.
Voir, et revoir.
G.

J’aimerais tant écrire un petit mot à la hauteur des émotions qui me traversent le corps et le coeur à la vue de vos oeuvres. Merci.
P.

Après avoir eu la chance de découvrir vos oeuvres grâce à une carte postale, après votre site et votre livre que j’ai parcouru tant de fois, quel bonheur indicible de découvrire pour de vrai vos toiles ! Quel ravissement ! Quelle délicatesse ! Merci.
F.

Je suis toujours aussi épatée. C’est superbe Merci
K.

Magnifique exposition et très grand peintre, d’une grande et juste sensibilité. Pour quand le catalogue complet de ses oeuvres ?
D.

Très belle exposition. Quelques grammes de douceur dans un monde de brutes.
D.

J’ai adoré votre exposition. Mes préférés étaient ceux avec les chats !
j’ai 9 ans.

Merci pour ce moment de bonheur
J.

Victoria, 13 mois est passée par là...

Merci de retransmettre la beauté et la forme de la femme. fantastique. A bientôt.
J.

Félicitations ! Exposition magnifique !
Continuez comme ça ! Tableaux très réaliste et envoûtant.

J’en ai peu raté depuis le temps, mais j’aurais aimé ce vernissage. Je reste un inconditionnel et vous dit à très bientôt. Continuez dans la beauté et dans cet équilibre que je retrouve depuis tant d’années.
Bien sincèrement.
J._F.

Sérénité- merci
F.

Qqs jours à Paris... et toujours admiratrice de votre talent !!! Peut être viendrez-vous exposer sur la Côte d’Azur prochainent !
B.

La sensibilité féminine et le sens du détail dans toute leur splendeur
C.

Calme, délicatesse, beauté.
Magnifique.
G.

Toujours le même enchantement. A très bientôt.
A.

Somptueuses!! une expo qui vaut le déplacement.. maîtrise et Beauté sont au RDV.
Merci.
S.

Délicatesse, sensualité, sensibilité la féminité merveilleusement représentée. merci

C’est tjrs un enchantement de venir admirer votre travail et tjrs très passionnant de voir un être se réaliser ainsi. Merci.
P.

Sensibilité, sens du détail, volupté et magnifique jeu d’éclairage.
A quand des expo de Van Hove en Province.
de Poitiers venu spécialement pour voir cette expo.

Une suite logique de la dernière expo. J’adore l»les guêtres» !!!
Continuez longtemps svp à me faire rêver.
D.

Quelle sérénité !
Belle sensibilité, oserais-je dire «féminine» ?... Cette visite fut un plaisir.
M.

Je ne m’en lasse pas et les expos toujours trop espacées hélas. Mais l’émerveillement est à chaque fois renouvelé. Merci Francine.
E.

J’aime !
V.

Vous vous répétez mais ce n’est pas lassant.
Merci.
K.

Precioso! Que placer ver arte de esta categoria
J.

Au fond, expo après expo, année après année, je reste admiratif de votre travail et de sa maîtrise. Je suis un peu surpris par sa constance, mais pas désagréablement : ce que j’essaie de dire, c’est que j’imagine, en essayant de me mettre un instant dans la peau d’un peintre, que l’on tente toujours de gravir une marche dans son évolution personnelle, que l’on cherche de nouvelles choses, que l’on tente, que l’on déchire, que l’on refait... Ici, on a l’impression que vous avez atteint une marche, il y a longtemps, et que vous comptez bien y rester, quitte à étudier chacun des grains de poussière qui y repose, chacune des rainures du bois ou des défauts du carrelage... On voit bien d’infimes changements : l’apparition d’une télé par exemple. Mais finalement, dans un monde du toujours plus rapide, votre révolution est dans la constance. Et c’est bien ainsi. Encore bravo !
J.

Bonjour Francine, et bravo.
J’aime beaucoujp «coïncidence», les roses tremières et l’atelier rouge. Je vais essayer de raconter à Jane.
Bises à bientôt.
C.

Que de beauté, de perfection, de délicatesse qui invitent au rêve. Merci pour votre don.
C.

Bravo pour tant de minutie et de réalisme; votre don pour saisir la lumière et votre choix de scènes qui inspirent la sérénité. J’en ai pris plein les yeux. Merci.
F.

Bonjour,
Je vous suis depuis plus de 20 ans (à peu près...) C’est toujours aussi «sublime» si le mot n’est pas trop... J’adore, j’admire, je suis fan...
Encore bravo, tout est intact, nouveau, frais, tendre et fait vraiment aimer la vie... Cela fait du bien, c’est donc du BONHEUR !
D.

(Margot, fille d'Anne-Claire, ancien modèle)

Nous nous avons vu il y 30 ans. Je suis heureuse à vous voir continuer la peinture
Meilleures salutations
l.

Painting sucks
Photography sucks
(after all to suck ain’t all so bad)
Too damn nice stuff !

Mme Van Hove,
Je connaissais votre blog et j’ai été informée de votre exposition. Ne vivant pas à Paris j’ai profité de passer mes examens d’art plastique à la Sorbonne pour venir admirer en vrai votre travail. Léonard aurait sûrement apprécier ! Merci pour votre lumière et votre fraîcheur picturales.
Bien cordialement.
D.

Mme Van Hove, je suis venue de Lyon pour voir votre exposition où règnent enchantement et quiétude. Je vous avais rencontré en 2009... Je connaissais votre merveilleux travail à travers votre blog. J’aimerais bien acquérir un de vos dessins... si vous en réalisiez de plus petits...
Continuez de nous enchanter par ce talent qui seul vous appartient, par cette douceur, cette beauté.
Une fidèle admiratrice
M.C.

Nice... Really nice.

Je n’oublierai jamais ce moment passé avec vous et vos toiles autour de nous...
Merci pour le bonheur que vous nous donnez
L.

Chère F.
Vous maîtrisez absolument tout : les couleurs, l’émotion, le lyrisme. Maintenant de nouvelles inspirations doivent être recherchées, pour nous faire de nouveau voyager.
Bien à vous sincèrement.
C.

Félicitations. C’est du grand art comme je l’aime. Quel raffinement exquis. C’est ravissant. Merci de votre invitation.
J.

Nous avons apprécié votre travail, par rapport à la précédente expo, vous retrouvez toute la veine qui est la vôtre.
Toute mon admiration.
M.

La peinture et le dessin j’adore alors tout simplement Bravo.

Merci et félicitations pour vos oeuvres, pour la sensualité et la douceur qu’elles dégagent.
Une reproduction du sphinx au dictionnaire trône dans mon salon depuis plus de 12 ans... et je ne m’en lasse pas.
L.

Beaucoup de raffinement, de la sensualité, une touche d’érotisme, un bel hymne à la beauté féminine.
Félicitations

Encore merci pour le plaisir sans cesse renouvelé que nous procure la contemplation de vos oeuvres.
Merci. D.

Une telle lumière se dégage de vos oeuvres, vraiment merveilleux.
V.

132) Suite (presque sans paroles)

2011-04-21T09:53:00.000-07:00

Entre (between) Alain et (and) Michèle Blondel.

131) Sans paroles

2011-03-11T09:04:00.001-08:00

130) L'affiche

2011-03-04T00:26:00.001-08:00

129) Vernissage

2011-02-24T07:37:00.000-08:00

Elle a été très malade ces cinq dernières semaines : grippe virale bronchiteuse toux terrible à se démonter la colonne vertébrale jour et nuit pas dormi. Mais cela ne l'a pas complètement empêchée de travailler et il y aura finalement 17 toiles + dessins et pastels.
Le carton d'invitation à l'exposition est prêt. En voici la maquette.
Ce que je vous montre là vaut invitation personnelle. Pas besoin d'un carton en carton pour être admis au vernissage et y rencontrer FVH.

128) Chère Nathalie,

2011-02-01T08:59:00.000-08:00

Puisque vous aimez les détails, en voici un d'un tableau déjà montré -message 114.

Ne me demandez pas comment le ou la peintre arrive à faire cela.

126) Chère Claude,

2011-01-19T03:20:00.000-08:00

Je te remercie de ton petit mot.
Tu as raison. La prochaine exposition de Francine Van Hove est proche, puisque le vernissage est pour le jeudi 24 mars 2011, et on peut ne pas comprendre pourquoi je me tais depuis le 19 novembre 2010.
La vérité est que je ne sais qu’ajouter à ce que j’ai déjà écrit sur l'artiste et sur son oeuvre. Car j’ai déjà beaucoup écrit, la preuve : les 125 messages de ce blog, maintenant 126.
Bien sûr, je pourrais montrer des photos des tableaux qui vont être exposés pour la première fois en mars prochain. Il y en aura 17. Mais ce serait déflorer le vernissage et desservir à la fois la Galerie Alain Blondel et l’artiste.
Il y a aussi que je suis de plus en plus conscient que la peinture de Van Hove est de celles qui demandent à ce qu’on les regarde en silence, que tout ce qu’on peut écrire à leur sujet ressortit du bavardage mondain. Van Hove fait partie des gens qui «peignent sans phrases» des tableaux muets.
«Y a qu’à r’garder».
Chuuuuut !
Même chose qu’avec Renoir : Silence ! On regarde.
J’évoque Renoir parce que je suis en train de relire ce que son fils Jean (le cinéaste) a écrit sur lui et que ses réflexions me semblent aller comme un gant à Van Hove.
Je cite :
«... Mes modèles à moi ne pensent pas», disait Renoir.
«Il aimait parler aux modèles et il aimait qu’ils lui parlent. Il voulait que le conversation fût banale. C’est pourquoi il appréciait les chansons de Georgette Pigeot. Il tenait absolument à amener son sujet à se fondre dans une futilité d’esprit proche de l’éternité. il le voulait détendu d’esprit autant que de corps. Leur don de sérénité est peut-être une raison supplémentaire à son plaisir de peindre des femmes et des enfants. «Les hommes sont tendus, ils pensent trop !» Les préoccupations profondes, dramatiques, passionnées, croyait-il, marquent le visage et le corps du sceau du provisoire. Or, selon lui, l’art ne s’applique qu’à l’éternel.»
«Il parlait de l’état de grâce venant de la contemplation de la plus belle création de Dieu, le corps humain». Il ajoutait : «Et pour mon goût personnel, le corps féminin !»
«Il se méfiait de l’imagination. Il la considérait comme une forme de l’orgueil. «Il faut une sacrée dose de vanité pour croire que ce qui sort de notre seul cerveau vaut mieux que ce que nous voyons autour de nous. Avec l’imagination on ne va pas loin tandis que le monde est si vaste. On peut marcher toute une vie et on n’en voit pas la fin.»

A part cela, Chère Claude, Francine Van Hove va bien et t'embrasse par la pensée en attendant d'avoir le plaisir de te voir rue Vieille-du-Temple.

127) Imaginer ?

2011-01-19T02:47:00.000-08:00

Pour en revenir à cette réflexion de Renoir tout à fait essentielle pour comprendre sa peinture et l'Impressionnisme en général, ainsi que la peinture de Van Hove -qu’on ne peut cependant pas classer parmi les Impressionnistes: «... Il se méfiait de l’imagination. Il la considérait comme une forme de l’orgueil», je dois préciser que je n'ai jamais entendu Van Hove parler d'orgueil ou de vanité à propos de ses collègues privilégiant l'imagination, mais que je l'ai souvent entendu qualifier sa propre imagination de pauvre par comparaison à ce que lui offre le monde extérieur = à ce qu’elle voit à l’extérieur d’elle-même, dans la nature quand elle se promène à la campagne, ou dans son atelier quand elle s’y trouve avec ses modèles : jeune femme, coussins, lumière sur tous les accessoires, plancher, bols, écrans de télé, etc. Sachant que ses perceptions visuelles ne se limitent pas aux formes et aux couleurs des choses et qu'elles intègrent également leur texture, cela grâce au développement particulièrement poussé chez elle de ce sens hybride combinant le visuel et le tactile qu'on appelle en tout bonne logique terminologique le toucher visuel .
Au sujet de l’importance du sens du toucher en peinture, voici une citation de plus du livre de Jean sur son père Auguste:
«Le souvenir de cette pratique (consistant pour l’instituteur à frapper sans pitié de sa règle l’extrémité des doigts bien joints de l’élève dissipé) indignait Renoir. Non pas qu’il fût contre les châtiments corporels. Il les considérait comme moins pénibles et en tout cas moins avilissants que les raisonnements. Le maître qui réussit à convaincre un élève qu’il a eu tort de ne pas étudier sa leçon fait de la fausse démocratie (...) Si Renoir réprouvait les coups de règle sur le bout des doigts, c’est parce qu’ils risquaient d’abîmer les ongles. Souvent je reviendrai sur sa croyance dans l’importance des cinq sens. Le principal siège du sens du toucher est l’extrémité des doigts et l’une des fonctions des ongles est de préserver ce délicat centre nerveux. Quand j’étais enfant j’aimais me couper les ongles très court. Ainsi je risquais moins de me faire mal en grimpant aux arbres. Mon père me disait que j’avais tort : «Il faut te protéger le bout de tes doigts; en l’exposant tu risques de diminuer ton sens du toucher et de te priver de grands plaisirs dans la vie.»
Pour illustrer à la fois l’importance du toucher visuel dans la peinture de Van Hove et la plus grande richesse du monde extérieur à ses yeux, voici «Le Plongeon» :

(Un tableau que l’artiste a signé à 45° pour permettre de l’exposer aussi bien à l’horizontale ou à la verticale, au choix de l’heureux propriétaire.)

Dans ce tableau, regardons -touchons des yeux plus précisément- le couvre-lit sur lequel repose la jeune femme :

Non... La photo ne rend pas. Il faut voir le tableau. Aucune représentation photographique ne peut rivaliser avec un tableau de cette sorte, du moins pour un spectateur sachant voir avec ses yeux et tout le reste de son corps, possédant lui-même ce talent relativement rare.
Ce que je veux expliquer ici est que Van Hove perçoit les parties du monde extérieur sur lesquelles elle pose son regard de peintre comme infiniment plus riches que tout ce qu’elle pourrait imaginer. Plus riches et plus belles. En conséquence de quoi elle ne veut peindre que d’après modèles : modèles vivants et modèles pas vivants, ici, en l’occurrence, dans le cas «Plongeon», Marion allongée dans l’herbe, l’herbe de son jardin à Château-Landon, le couvre-lit de coton sur lequel repose Marion, le livre qu’elle lisait avant de s’endormir, etc. Parce qu’elle trouve cette herbe admirable de richesse et de beauté, et très belles Marion et la lumière du jour qui la baigne.
Ces peintres-là, Renoir et toute sa bande de copains Impressionnistes, et le Suédois Anders Zorn pour ne citer qu'un autre membre de la famille en plus de Van Hove, tous ces artistes ont en commun de peindre par admiration.

125) Remerciements et réponses à

2010-11-19T10:27:00.000-08:00

Anna
(http://loverforbooks.blogspot.com/)
It’s OK for Van Hove : you can post about her artwork.
Your blog is ravissant.

Filby/kenny/Koohna
Hi! Filip. How are you? It has been a long time. But here we are, back on Internet.

Grand
(http://grandgribouille.blogspot.com/
http://pin-uperie.blogspot.com/)
Remarquables, vos dessins, Monsieur Grand.
Bien à vous aussi.

Oldenbroke
(http://www.oldenbroke.blogspot.com/
http://www.artistsinpastel.blogspot.com/)
Blogs très bien faits.
You said : «There is a considerable blog dedicated to Van Hove, written by someone who clearly is an insider or intimate. The more recent postings tend to be bi-lingual (English and French) but it is fundamentally a French blog.»
Funny remark. But yes, I’m an insider. I would not dare to say intimate. She is such a Lady.
I envy you and your bilingual skills.

Jean-Yves
Bernar, oui...

Solidor 24
(http://solidor24.blogspot.com/)
Vous pouvez voir des Van Hove à la Galerie Alain Blondel, rue Vieille-du-Temple. Une nouvelle expo est prévue en mars prochain, je crois.

Miquet
(http://serge.dutfoy.over-blog.com/)
F est entrée à Claude B. en 1959, en même temps que Jacques Cohen, c’est vrai.
J’ai bien regardé votre blog. Très amusant.
Triste que Blachon soit mort. Bien trop tôt, comme Bernar.
Une formule pour vous qui semblez vous excuser d’avoir votre âge : «Le bon vieux temps, c’est maintenant». Ca vient de sortir sur les kiosques à journaux parisiens. Je ne sais plus quelle couverture de magazine. Elle est du «vieux» Taxi Driver (De Niro).

124) Pour Sejean et Philippeflohic

2010-07-01T10:15:00.001-07:00

Du dessin à la peinture.
From drawing to painting.

123) Peinture, chats, fleurs

2010-05-25T08:08:00.000-07:00

122) Esquisses Marion et Céline

2010-04-02T08:08:00.000-07:00

Tableaux en cours. Paintings in progress.

121) Rêveries sous un pommier

2010-04-02T07:57:00.001-07:00

Vivement que reviennent l'été et ses pommes ! We long for the summer time and its apples!

120) Classique

2010-02-06T10:09:00.001-08:00

Depuis cette histoire du violoniste (message n° 115), je ne peux plus passer devant un musicien ou un orchestre classique dans notre métro parisien -et il y en a souvent à la station Châtelet- sans leur laisser une pièce : hommage à ceux qui consacrent des années et des années à apprendre un métier artistique puis à en transmettre la vivante tradition.

119) Thé à la Chartreuse

2010-02-04T07:12:00.000-08:00

Céline est venue poser ce matin et en même temps soumettre à "sa" peintre plusieurs épreuves de la dernière num qu'elle s'apprête à reproduire sur toile, pour choix final (voir ci-dessous deux de ces tests, celui de droite légèrement plus jaune que celui de gauche). "Le Thé à la Chartreuse" : une jeune fille vient de se lever et petit-déjeune en lisant "La Chartreuse de Parme" de Stendhal. Beaucoup de tableaux de Van Hove portent le titre du livre qu'elle met sous les yeux de son personnage et du spectateur.
Le modèle était Joanne, une comédienne dont FVH a gardé un très bon souvenir et dont elle aimerait avoir des nouvelles. Avis aux internautes susceptibles de savoir où elle se trouve actuellement.
Le tableau a une histoire particulière : il a été volé durant une exposition chez Blondel et figure depuis sur les listes de l'OCBC
(Office Central de lutte contre les trafics de Biens Culturels).

118) 7 janvier 2010

2010-01-07T09:38:00.000-08:00

Il a neigé pendant la nuit. La vue plongeante à partir des fenêtres de l'atelier est magnifique.
It has snowed during the night. The view from above through the workshop windows is magnificent.Le soleil brille; réverbérée par les toits de la cour, la lumière est idéale pour la séance de ce matin avec Céline.
The sun is shining and reverberates from the roofs all around; a perfect light for the sitting with Céline this morning.Les accessoires ont été réunis, en l’occurrence un drap sur un matelas et une profusion de coussins. Les radiateurs sont allumés.
Ne manque plus que le modèle.
Celui-ci appelle : elle aura un léger retard imputable aux difficultés de circulation.
The set is ready: a white sheet on a mattress and a profusion of cushions. Radiators are on.
Only the model is still missing.
The latter calls : she will be a little late because of traffic problems. En l’attendant, Van Hove admire le paysage avec ses chats.
On sonne.
In the meantime, Van Hove and her cats admire the landscape.
There is a ring at the door.Comment font-elles (Félie la Blanche et Malou la Grise) pour deviner que c’est un modèle qui se présente, et non un(e) inconnu(e) auquel cas, au lieu de regarder comme ici, elles décamperaient immédiatement ? How come that the cats -Félie the White and Manou the Grey- guess that the one at the door is a model and not an unknown and that they calmly keep their seats instead of running away?Car il s'agissait bien du modèle qui se joint à sa peintre pour profiter elle aussi du spectacle avant de se mettre au boulot. Et que moi, le photographe, je vide les lieux.
It was the model actually, Céline, who joins her painter to enjoy the sight at the window before starting to pose. And before I, the undesirable photographer, quit.

117) Julia

2009-12-31T07:47:00.000-08:00

Modèle et son peintre.
Julia ne peut plus poser, hélas : trop de travail à son poste d'Agent de Photographes chez WIB. Ne lui reste plus que le temps de passer prendre le thé à l'occasion.
En dessin, de gauche à droite : Céline et Laurence.

Et un petit peu en avance, de la part de Van Hove et de toutes ses filles : MEILLEURS VOEUX pour 2010 !

Model and her painter.
Unfortunaltely Julia can't pose anymore : too much work at WIB where she is Photographers' Agent. But each time the opportunity presents itself for a short visit and a tea, she doesn't miss it.
In drawing, from left to right : Céline and Laurence.

And a little in advance, on behalf of Van Hove and all her girls: BEST WISHES for 2010!

116) “Titien, Tintoret, Véronèse... Rivalités à Venise”

2009-12-24T08:08:00.001-08:00

Cette photo a été prise dans l’exposition du Louvre “Titien, Tintoret, Véronèse... Rivalités à Venise”; on y voit Van Hove admirant l’autoportrait du Titien habituellement au Prado.
Avis aux amateurs qui n’ont pas encore vu cette exposition tout à fait remarquable, qui connaît une affluence record et touche à sa fin : le meilleur moment pour la visiter se situe entre 9 heures et 10h30.

115) Le violoniste

2009-11-25T19:20:00.000-08:00

La peinture de Van Hove est classique comme le sont la musique classique, la littérature classique, la danse classique, le chant classique...
A propos de musique et de musicien classiques, voici une très jolie histoire que je dois à une amie Américaine :

“ Un violoniste dans le métro

Un homme dans une station du métro à Washington, D.C. Il commence à jouer du violon. On est en janvier, le matin, et il fait froid. Il joue six pièces de Bach pendant environ 45 minutes. Pendant ce temps, comme c’est à une heure de pointe, des milliers de gens traversent la station, en direction de leur lieu de travail pour la plupart d’entre eux.
Trois minutes passent et un homme d’âge moyen remarque qu’il y a un musicien en train de jouer. Il ralentit le pas et s’arrête quelques secondes, pour ensuite se précipiter pour être à l’heure.
Une minute plus tard, le violoniste reçoit son premier dollar : une femme jette l’argent dans sa boîte en passant, sans s’arrêter.
Quelques minutes plus tard encore, quelqu’un s’adosse au mur pour écouter, mais se remet en route après avoir consulté sa montre. Il est manifestement en retard.
Celui qui fait le plus attention au musicien est un petit garçon âgé de trois ans. Sa mère le traîne derrière elle, en lui disant de se dépêcher, mais le môme s’arrête pour regarder le violoniste. Finalement, la mère le pousse sans ménagement et l’enfant se remet à marcher en tournant tout le temps la tête. Cela se reproduit avec plusieurs autres enfants. Tous les parents, sans exception, les forcent à avancer.
Pendant les trois quarts d’heure où joue le musicien, seulement six personnes s’arrêtent et restent un moment. Environ vingt personnes donnent de l’argent mais continuent de marcher sans modifier leur allure. Il ramasse trente-deux dollars. Quand c’est fini et que le silence succède à la musique, personne ne le remarque. Personne n’applaudit ni ne témoigne de reconnaissance au violoniste.
Personne ne le sait, mais celui-ci s’appelle Joshua Bell et est un des plus grands musiciens dans le monde. Il a joué un des morceaux les plus difficiles sur un violon d’une valeur de trois milliards et demi de dollars.
Deux jours plus tôt, Joshua Bell avait fait salle comble dans un théâtre de Boston où le prix moyen des places était de cent dollars.
Ce petit concert - Joshua Bell jouant incognito dans une station de métro- a été organisé par le Washington Post dans le cadre d’une expérience sociologique portant sur la perception, le goût et les priorités des gens, avec, à la clef, la question suivante :
Dans un environnement banal et à une heure inappropriée, percevons-nous la beauté ? Nous arrêtons-nous pour en jouir ? Reconnaissons-nous le talent ?
Une des conclusions possible de cette expérience peut être :
Si nous n’avons pas un moment pour nous arrêter et écouter l’un des meilleurs musiciens dans le monde jouant la meilleure musique jamais écrite, sur un des meilleurs instruments dans le monde -combien d’autres choses manquons-nous ?

Van Hove's painting is classical, the word "classical" being taken in the same sense as in classical music, classical litterature, classical dance, classical vocal... It is the best definition of it : classical.
About classical music and musicians, here is a pretty story that I owe an Amican friend :

A Violonist in the Metro

A man sat at a metro station in Washington DC and started to play the violin; it was a cold January morning. He played six Bach pieces for about 45 minutes. During that time, since it was rush hour, it was calculated that thousands of people went through the station, most of them on their way to work.
Three minutes went by and a middle aged man noticed there was musician playing. He slowed his pace and stopped for a few seconds and then hurried up to meet his schedule.
A minute later, the violinist received his first dollar tip: a woman threw the money in the till and without stopping continued to walk.
A few minutes later, someone leaned against the wall to listen to him, but the man looked at his watch and started to walk again. Clearly he was late for work.
The one who paid the most attention was a 3 year old boy. His mother tagged him along, hurried but the kid stopped to look at the violinist. Finally the mother pushed hard and the child continued to walk turning his head all the time This action was repeated by several other children. All the parents, without exception, forced them to move on.
In the 45 minutes the musician played, only 6 people stopped and stayed for a while. About 20 gave him money but continued to walk their normal pace. He collected $32. When he finished playing and silence took over, no one noticed it. No one applauded, nor was there any recognition.
No one knew this but the violinist was Joshua Bell, one of the best musicians in the world. He played one of the most intricate pieces ever written with a violin worth 3.5 million dollars.
Two days before his playing in the subway, Joshua Bell sold out at a theater in Boston and the seats averaged $100.
Joshua Bell playing incognito in the metro station was organized by the Washington Post as part of an social experiment about perception, taste and priorities of people. The outlines were: in a commonplace environment at an inappropriate hour:

Do we perceive beauty?
Do we stop to appreciate it?
Do we recognize the talent in an unexpected context?
One of the possible conclusions from this experience could be:
If we do not have a moment to stop and listen to one of the best musicians in the world playing the best music ever written, on one of the finest instruments in the world - how many other things are we missing?

114) Lire au lit

2009-11-25T07:45:00.000-08:00

Van Hove exécute, en ce moment, une série de tableaux sur le thème “Lire au lit”. Comme seul décor, un fond blanc : blanc comme un drap de lit ou comme une toile encollée encore vierge. Sa maîtrise du dessin de la figure humaine, caractéristique de sa peinture, s’y exprime avec une force et une douceur particulières.
Exemple :Autre exemple :Dans ce deuxième tableau, le livre représenté à droite a pour titre Enseignement collectif du dessin par démonstrations orales et graphiques. Guide de la nouvelle méthode de Frédéric Gillet, Professeur à l’école municipale de la Ville de Genève. Publié en MDCCCLXIX (1869) à Paris. Livre choisi non pour son contenu, mais seulement pour sa taille, ses proportions et la couleur de son papier.
J'y jette quand même un coup d’oeil, et je lis, page 33 :

Du paysage
Le dessin de paysage, malgré la diversité infinie de ses lignes et de ses effets de clair-obscur, présente de moins grandes difficultés que celui de la figure, en ce qu’il laisse à l’artiste une somme relativement plus grande de liberté. Le type humain est un admirable résumé de l’universalité des êtres créés auxquels il est supérieur, parce qu’entre tous aucun ne réalise comme lui les conditions de l’ordre, de la proportion et de l’harmonie, élevées à la hauteur de la vie animale, de la vie intelligente. C’est pourquoi, même sans parler des difficultés que présente le rendu expressif de la vie, le dessin de la figure humaine est de tous les genres de dessin le plus difficile.

Je relis à haute voix et je demande au peintre si elle est d’accord.
- Bien sûr.
1869 : la révolution de la photographie est en cours et celle du mouvement impressionniste est sur le point de se déclencher et d'aggraver encore la situation de la peinture figurative dont les jours vont sembler comptés à un nombre croissant d'artistes et de critiques.
L’impressionnisme ? Voyons ce qu’en dit Paul Valéry dans son son admirable livre Degas Danse Dessin, chapitre Réflexions sur le paysage et bien d’autres choses :

Puis l’impression l’emporte : Matière ou Lumière dominent.
On observe alors que le domaine de la peinture est envahi en quelques années par les images d’un monde sans hommes. La mer, la forêt, les campagnes à l’état désert satisfont la plupart des yeux. Il s’ensuit quantité de conséquences remarquables.
L’arbre et les terrains nous étant beaucoup moins familiers que les animaux, l’arbitraire augmente dans l’art, les simplifications, même grossières, se font habituelles. Nous serions choqués si l’on figurait une jambe ou un bras comme l’on fait une branche. Nous distinguons fort mal entre le possible et l’impossible en fait de formes minérales ou végétales. Le paysage donne donc de grandes facilités. Tout le monde se mit à peindre.

Remarque conclusive : aujourd’hui, 70 ans après la publication de Degas Danse Dessin, plus personne ne s’étonne qu’une jambe ou un bras soit figuré "comme l’on fait une branche"; on s’étonnerait plutôt que des peintres continuent de dessiner comme avant.

Let's try to say it in english now :

These days, Francine Van Hove is doing a series of paintings on the theme “Reading in bed”. The backgroung has the color of a sheet or a blank canvas (white). Van Hove's mastering of drawing the human figure can then be expressed with a particular strength and softness.
In the second painting, the book is titled “Collective Teaching of Drawing through Oral and Graphic Demonstrations. Guide to Frédéric Gillet’s New Method". Published in MDCCCLXIX (1869) in Paris.
Although the book has not been picked for its content, but only for its look, I glance at it and read, page 33:

About landscape
Landscape drawing has to deal with an infinite variety of lines and clair-obscur effects. However it is way less difficult than the human figure drawing since it leaves relatively more freedom to the artist. The human figure is an amazing summary of all kinds of living beings. It is the most superior figure between all as it is the only one to embody so well the wonders of creation in terms of order, proportion and harmony. It is why, to say nothing of the rendering of life, the human figure drawing is the most difficult among all the different sorts of drawings.

I read it again in a loud voice and ask Van Hove :
- Do you agree?
- Of course.
1869, the revolution of photography is in progress. Impressionnism is starting soon its own revolution. The result is a critical moment for figurative art and figurative artists whose future seems to be condemned.
Impresssionism? Let see what Paul Valéry says about it in his marvellous little book "Degas Dance Drawing", chapter "Reflections on Landscape Drawing and a Lot More Items" :

Then impression wins out : Matter and Light dominate. One observes the domain of painting being invaded by images of a depopulated world in a few years. Most of the eyes get accustomed and satisfied with deserted oceans, forests and countrysides. Hence many remarkable consequences.
As we are less familiar with trees and lands than with animals, arbitrariness increases in art, simplifications, even coarse, become usual. We would be shocked if legs and arms were drawn as branches. We can hardly make the difference between the possible and the impossible in the mineral or vegetal reign. As a matter of fact the landscape offers large facilities. Everybody feels qualified to do painting.

Final remark: nowadays, 70 years after "Degas Dance Drawing", nobody would be shocked by legs or arms transformed into branches; one would rather wonder that painters drawing legs and arms looking like legs and arms still exist.

113) Boucle d'Art

2009-10-29T03:36:00.001-07:00

Ca y est : Boucle d’Art est opérationnelle en ce qui concerne les reproductions de certaines oeuvres de Francine Van Hove. La fidélité est garantie par l’artiste, la qualité est superbe : reproduction sur toile fine montée sur châssis, encadrement (conseillé) en boîte américaine chêne.La première oeuvre reproduite est “Château-Landon”.
Exclusivité Boucle d’Art.
Les reproductions sont faites sur mesure. Le haut niveau de définition du cliché num permet toutes les échelles de 0,13 à 3 mètres de longueur
Coordonnées de Boucle d’Art :
44 Passage Choiseul
75002 Paris
Métro : Pyramides ou Quatre-Septembre
01 42 96 25 89
Mail : info&boucledart.fr

Here we are : high quality reproductions of Francine Van Hove's paintings are now available on stretched canvas at
Boucle d'Art.
The fidelity in color and shading is controlled by the artist.
Reproductions are made-to-measure and can go from 0.13 to 3 meters in length.

112) It has been ages

2009-10-27T09:37:00.001-07:00

It has been ages since my last message. The reason of my silence is that I have made several decisions about my blog and those decisions turned out to be pretty difficult to implement. One of them being to write in English first rather than in French.
In the meantime, Van Hove has continued working at her natural rhythm, which means : drawing and painting during the day, doing fabric design in the evening. Everyday, even on Sundays.
Nature followed a parallel and colourful course and the Virginia creeper got gorgeous on the front of her little house in Château-Landon. Here is one of the numerous photos she took of it.
De l’eau a coulé sous les ponts depuis mon dernier message. La raison de mon silence est que j’ai pris plusieurs décisions concernant mon blog et que celles-ci se sont révélées assez difficiles à mettre en oeuvre. Une de ces décisions étant que je dois écrire en anglais d’abord plutôt qu’en français. Dans l’intervalle, Van Hove a continué à travailler à son rythme naturel, c’est-à-dire : dessin et peinture le jour, et dessin pour tissus le soir. Tous les jours, même le dimanche.
La nature a suivi son cours en parallèle et la vigne vierge sur le devant de sa petite maison à Château-Landon est magnifique de couleurs. Voici une des nombreuses photos qu’elle en a pris.

111) La rentrée

2009-09-01T08:54:00.000-07:00

Van Hove vient de rentrer après six semaines passées dans son Château-Landon.
Comme chaque année, elle a profité de la belle saison et de l’isolement que lui procure sa prairie-verger pour peindre dehors : herbes, fleurs et fruits. Ce qu’elle appelle “faire de l’herbe”.

Elle a aussi "reçu" : parents et ami(e)s,
dont deux de ses modèles :
la belle Rivka et sa petite famille,
et Pretty Business Woman Céline,
que Van Hove a utilisée pour répondre à la question technique suivante : quand on s’étend dans l’herbe, les lignes de l’herbe viennent-elles interférer avec les lignes du corps ? Réponse : pratiquement pas.
Tous les visiteursont eu droit à des tartes aux prunes maison.

Il y a eu des journées vraiment splendides.

110) Jean-Charles

2009-07-01T07:22:00.000-07:00

J'ai demandé à Van Hove ce qu'elle pensait de la réponse de Jean-Charles à Sejan :
Jean-Charles a raison de dire qu'"elle pourrait très bien réaliser un tableau en couleur qui ne serait qu'une esquisse de ce qu'elle imagine", SAUF que, comme il l'ajoute lui-même juste après, "ce n'est pas sa démarche", et que, dans la mesure où ce n'est effectivement pas sa démarche ... elle ne le pourrait pas.
Il lui est arrivé de faire des esquisses à l'huile, tout au début de sa carrière : des paysages, des natures mortes, des portraits. C'était la mode, il fallait "torcher" comme on disait alors aux Bozarts et même à Claude B (voir message 15), être spontané, y aller d'un coup, laisser parler ses tripes, et conclure dans la séance.
Exemple de portraits exécutés à l'époque :

Mais cette idéologie du jaillissement et de la vitesse a failli la dégoûter de peindre. Elle a d'ailleurs arrêté l'huile pendant cinq ans.

109) Sejan

2009-06-22T10:38:00.000-07:00

Le message de Sejan sur le caractère supérieurement magique du dessin par rapport à la peinture strictement figurative m'a plongé dans un abîme de réflexions dont je vais prendre mon temps pour remonter, sachant que d'autres admirateurs de l'art de Van Hove partagent son opinion et que le sujet mérite certainement d'être creusé.
En attendant, voici le genre de dessin que Sejan avait sans doute en tête en écrivant son message :

108) A la FID

2009-06-14T00:02:00.000-07:00

Le message de Marie-Annick (Nicky) me fait penser que je n'ai encore rien raconté sur la FID, "Foire Internationale du Dessin", ou "Foire Internationale alternative : le Dessin du 21e siècle",

où les Blondel avaient décidé d'exposer des dessins de Van Hove entre le 27 et le 29 mars derniers : voir mon message n° 91.
Plutôt que d'une foire, il s'est agi d'un tout petit salon, sans prétention et voulu tel, très sympathique au demeurant.

Il a été pour moi l'occasion de constater une fois de plus à quel point, parmi les innombrables façons de dessiner -et de peindre- qui ont cours actuellement, le métier de Van Hove est classique et assimilable à ce titre aux métiers de la musique dite classique.

107) Dear Nicky

2009-06-13T23:40:00.000-07:00

FVH thanks you very much for your message and sends you her best regards.
To answer your question : all Van Hove's works, including her drawings, are on sale at Galerie Alain Blondel, tel. 33 1 42 78 66 67.

106) Fin de l'expo 2009

2009-05-29T02:20:00.000-07:00

L'exposition s'est donc terminée samedi soir 23 mai.
Une photo de clôture : Van Hove en compagnie de son galeriste, Alain Blondel.

Le peintre a été très touchée par les nombreux témoignages d'admiration et -souvent- de fidélité à travers les années.
Voici quelques extraits du Livre d'or :

"Très heureuse d’avoir fait cet aller-et-retour en TGV depuis Lyon pour découvrir vos œuvres d’une beauté extraordinaire, et pour vous rencontrer : je m’étais promis de venir le jour du vernissage. Je suis ravie, éblouie par un tel talent et vous dis sincèrement bravo.
Une artiste « amateur » qui aime beaucoup travailler sanguine, pierre noire, pastel sec."

"J’adore votre œuvre. On est spécialement venu de Malines en Belgique pour visiter l’exposition. J’espère que une fois dans ma vie j’aurai le budget de m’offrir une de vos peintures. Vous êtes fantastique."

"Comme à chacune des expositions, ces œuvres nous plongent dans un monde intérieur où l’on se met soi-même à nu dans la tendresse et la simplicité… admirables compositions où l’accessoire devient le principal. En un mot, j’adore."

"Revu avec bonheur le même univers féminin, de silence, de lecture, de reflets, si délicat. Aimé la chatte blanche, car nous vivons avec une autre blanche, Mélusine !"

"Chère Francine,
Vous êtes une sublime sondeuse de mystères. Cette fois, vous touchez à celui de la lecture, cette énigmatique communication des esprits […]"

"Chère Francine,
Cette merveilleuse exposition vaut un voyage de Suède ! Superbe !"

"Des sujets si simples et traités avec tant de force. Une subtile harmonie entre la lumière et l’instant."

"Ô nuits ! ni la clarté déserte de ma lampe
Sur le vide papier que la blancheur défend"
Mallarmé. Brises marines.

"La renaissance de la Renaissance. Quelle délicatesse, fascinant."

"You must be an intelligent person ! Your work is strong, tender and technically very good. The warmth is also there but not too sticky in a bright and focused way. Thank you."

Le peintre a bien noté que beaucoup de visiteurs regrettent de ne pas avoir les moyens de s'offrir des oeuvres originales (auxquelles se limite strictement Alain Blondel) et seraient intéressés par de bonnes reproductions.
Juste après avoir quitté le 128, rue Vieille-du-Temple, elle est allée rendre visite à son modèle Céline pour discuter de la question avec elle, Céline étant elle-même galeriste ("Boucle d'Art", passage de Choiseul, Paris 2e), mais spécialisée dans la reproduction sur mesure.

106) Mon tableau favori :

2009-05-08T09:25:00.000-07:00

le peintre devant sa peinture "La Madone Litta".

105) Fleurs

2009-04-30T05:35:00.000-07:00

Elle ne peut vivre sans fleurs autour d'elle. A Paris, elle s'approvisionne deux fois par semaine, les mercredi et samedi, sur le marché du boulevard Edgar Quinet. A Château-Landon, elle a ses deux jardins, dont une clématite à l'entrée de la maison et un arbre de Judée à l'entrée de la prairie, les deux en fête en ce moment. Sans compter je ne sais pas combien de rosiers.
Et ce n'est pas tout : en plus de celles qu'elle achète et de celles qu'elle cultive à la campagne, elle a les fleurs qu'elle crée pour tissus imprimés de luxe quand elle arrête de faire de la peinture à la tombée du jour :

104) Reportage

2009-04-14T06:24:00.000-07:00

L'excellent reportage de Filip comptait une vingtaine de photos. Maintenant que l'exposition est terminée, je n'en garde ici que deux pour mémoire, celle du tableau qui figurait en vitrine et celle du dessin préparatoire lui correspondant.

103) Vernissage

2009-03-22T09:07:00.000-07:00

Beaucoup de visiteurs samedi après-midi. Beaucoup de soleil dehors aussi.
Outre d'échanger de vive voix avec des gens qui aiment ce qu'elle fait, le grand plaisir de Van Hove dans ses vernissages est de voir ses modèles en dehors du travail, les anciennes et les actuelles. Comme à chaque fois, beaucoup étaient au rendez-vous, entre autres Camille, qui est une très jeune ancienne, ici devant un de "ses" tableaux,ou Céline (actuelle depuis quinze ans) et Julia ( jeune ancienne), respectivement à gauche et à droite du maître.

102) Avant-première

2009-03-20T13:35:00.000-07:00

Deux personnes avaient demandé à voir l’expo avant le vernissage, ne pouvant être là samedi après-midi : Filip, venu de Tchéquie,et Daniel Tribouillard, PDG de Léonard Fashion et ami de longue date du peintre.D’où une sorte d’avant-première en profitant de ce que l’accrochage était presque terminé.
A demain !

101) J - 3

2009-03-18T01:39:00.000-07:00

Jean-Marie de la Galerie Alain Blondel est passé chez Van Hove il y a une semaine prendre ses derniers tableaux et dessins pour les apporter à Michèle, l'encadreuse, laquelle doit en avoir fini aujourd'hui. Tout sera prêt (accroché ?) normalement vendredi après-midi. J'ai entendu dire que l'affiche était sortie et j'ai hâte de la voir; elle montre un détail d'un tableau intitulé "La Traduction", sans doute un peu moins large que celui-ci :

100) Coin d'atelier

2009-03-06T10:33:00.000-08:00

Le modèle, Caroline, qui a posé sur le lit par terre à gauche de 9h30 à 12h30, vient de partir et les chats n'ont pas encore investi la place, ce qui ne saurait tarder.Le peintre a encore dessiné trop grand et a eu besoin d'une seconde feuille pour déborder à l'aise.Ca y est : Féli.

99) Dans 15 jours

2009-03-03T06:24:00.001-08:00

L'expo Van Hove est pour dans quinze jours. Le tableau représenté sur le carton d'invitation s'appelle "Le Petit clocher". Dimensions : 33 cm x 24 cm.

On peut aller au vernissage -et voir l'artiste- sans avoir reçu d'invitation : entrée libre même ce jour-là qui est un samedi.

98) Pastiche (bis)

2009-03-03T06:20:00.000-08:00

Second exemple de pastiche photo d'un Van Hove.
Le point de départ (double) est ce tableau intitulé "La Main dans le soleil",et ce pastel.

Et voici le pastiche, une photo

qui a servi pour une affiche de film et une pochette de disque.

97) Pastiche

2009-02-23T07:15:00.000-08:00

Je demande à Van Hove s'il lui est arrivé de prendre une photo comme point de départ pour un tableau, comme Manet.
Elle me répond non et que l'idée ne lui en est jamais venue.
Ce qui est déjà arrivé, en revanche, c'est que des photographes prennent un de ses tableaux comme point de départ pour une de leurs photos. Exemple récent :

illustration photographique parue dans le ELLE du 3 janvier de cette année, partie de

qui est une reproduction inversée d'un tableau de 1996 intitulé "Le Petit déjeuner aux baguettes" dont voici maintenant une vue correcte :

Remarque : le photographe de ELLE n'a pas dû comprendre que la seconde baguette était en épi ou il n'a pas pu s'en procurer une; il l'a alors remplacée par des petits pains.
Infidèle !

96) Delacroix et la Photographie

2009-02-17T13:11:00.000-08:00

Samedi 14, Van Hove est allée voir l'exposition "Delacroix et la Photographie" au Musée Delacroix, place de Furstenberg.Elle a longtemps ignoré que des maîtres comme Delacroix, Ingres, Degas, etc., avaient travaillé d’après photo.
La première fois que son attention a été attirée sur ce fait généralement passé sous silence, ce fut en 1983, à l’exposition Manet du Grand Palais, où, à côté de la célèbre “Gare Saint-Lazare” -également appelée “Le Chemin de fer”-, les organisateurs avaient accroché la photo en noir et blanc (d’époque) qui avait servi de point de départ à l’artiste et qu’il avait reproduite avec une remarquable fidélité sur sa toile avant de la traiter en couleurs dans son style inimitable.
Cette découverte l’avait sidérée : Manet ! Un impressionniste ! Un de ces artistes qui, écrit-on et lit-on encore aujourd’hui, “poussent très loin l'étude du plein air, font de la lumière l'élément essentiel et mouvant de leur peinture, écartant les teintes sombres pour utiliser des couleurs pures que fait papilloter une touche très divisée,” “partageant la même approche picturale, à savoir le rendu du plein air et l'effet que produisent les variations constantes et imperceptibles de la lumière sur les éléments.” Et qui, “ grâce aux chevalets pliants et à l'invention des tubes métalliques pour la peinture à l'huile, réalisent des tableaux en plein-air afin de saisir les manifestations de l'atmosphère, les sensations visuelles des paysages et de ses effets.”

95) Attention !

2009-02-12T13:14:00.000-08:00

Suite au préavis de grève générale déposé pour le 19 mars, le vernissage de l'exposition Van Hove chez Alain Blondel a été repoussé au samedi 21 mars de 15 à 20 heures.

94) Du dessin à la peinture

2009-02-12T10:01:00.000-08:00

Il existe une grande différence entre le dessin et la peinture en art figuratif strict ou orthodoxe : les dessins ne sont jamais “finis” tandis que les peintures le sont toujours (finis). On y est tellement habitué qu’on n’y réfléchit plus. C’est ainsi, en tout cas, que s’il lui arrive souvent de se contenter de quelques traits en dessin, Van Hove est incapable, mais vraiment incapable, de ne pas “aller jusqu’au bout” en peinture. “Jusqu’au bout”, c’est-à-dire de faire, entre autres choses, que sa toile disparaisse complètement sous la peinture et se transforme peu à peu en une espèce de vitre ou de miroir offrant le spectacle illusoire mais convaincant d’une jeune femme en train de dormir, par exemple. Remarque : il n’y a pas que le support matériel qui disparaît au fur et à mesure qu’avance la peinture, c’est le cas également des traits du dessin préparatoire, c’est-à-dire de ce dessin lui-même qui, après avoir été reporté sur la toile par l’intermédiaire d’un calque, se dissout littéralement dans l’huile pour y renaître peinture. Une fois achevé, ce tableau de Van Hove ne contiendra pas plus de traits qu’on n’en trouve dans la nature. Le dessin tel que le pratique l’artiste présente ainsi ces deux caractéristiques fondamentales en art figuratif traditionnel de n’être jamais que préparatoire et d’être soluble dans la peinture.

93) Question/answer

2009-02-10T11:22:00.000-08:00

To answer Fildy/Kenny/Koohan’s question : the 90- and 91-pieces will not be in Van Hove’s next exhibition; but there will be plenty of other drawings. This one for instance :

92) Cliché

2009-02-07T03:11:00.000-08:00

Parmi les dessins qu'Alain Blondel présentera à la Foire Internationale du Dessin du 21e siècle figurera celui-ci : Le cliché est excellent et Van Hove le doit à l'ami Jacques. Mais tout excellent qu'il puisse être, un cliché ne pourra jamais rivaliser avec un original.
Manque ici, en particulier, le contact avec la matière de la pierre noire sur le papier Vélin Arches moucheté.

91) Puissance

2009-02-06T08:11:00.000-08:00

Voici un autre dessin en croix que je trouve également remarquable.

Mon premier contact avec l’artiste a eu lieu à travers un de ses dessins de nu, il y a longtemps déjà. Deux mots me sont tout de suite venus à l’esprit en le regardant : puissance et générosité.
La puissance de son dessin est, je crois, ce qui conduit beaucoup de connaisseurs qui ne l’ont pas encore rencontrée à imaginer qu’il s’agit d’un homme. Surprise...
Parallèlement à l’exposition chez les Blondel, une autre manifestation offrira aux amateurs l’occasion de mieux connaître cet aspect du talent de Van Hove -étroitement lié à son travail proprement pictural, mais non réductible à lui- : la FOIRE INTERNATIONALE DU DESSIN DU 21e SIECLE qui se déroulera du 27 au 29 mars prochains, 10 rue de Turenne, Paris 4e (non loin de la Galerie Alain Blondel, par conséquent).
Nom du site à consulter à ce sujet : "foireinternationaledudessin.com".

90) Dessiner en croix

2009-02-05T10:19:00.000-08:00

Van Hove dessine toujours grand, tandis que c’est "petit à petit" qu’elle peint. Autant elle va vite avec ses gros crayons, ses fusains ou ses pastels, autant elle va lentement avec ses pinceaux à pointe fine (Isabey n° 3 à 5).
Faire grand et vite en dessin la conduit souvent à sortir du cadre de la feuille où elle commence invariablement par la tête, et à devoir déborder sur d’autres feuilles qui s’ajoutent alors comme des bras et des jambes. Ce qui donne des compositions finales en croix.
En voici un premier exemple relativement ancien :

89) Le dossier de presse

2009-01-31T09:04:00.000-08:00

Voici le texte -destiné au dossier de presse- qui est sorti des discussions de Van Hove avec ses galeristes :

Galerie Alain Blondel
128 rue Vieille du Temple 75003 Paris
Tél : 01 42 78 66 67 ● Fax : 01 42 78 47 90
galerie.blondel@wanadoo.fr
HYPERLINK "http://www.galerieblondel.com" www.galerieblondel.com

19 mars ● 23 mai 2009
Vernissage le jeudi 19 mars de 18h00 à 21h00
Du mardi au vendredi de 11h à 19h et le samedi de 14h à 19h

Les peintures récentes de Francine Van Hove représentent des jeunes femmes en tête-à-tête avec des livres, en conversation confidentielle dans une salle de bain ou dans un jardin l’été, ou bien se contemplant dans des miroirs. Intimité, comme d’habitude.

Chaque nouvelle exposition du peintre est l’occasion d’une recherche particulière. Le titre “Lumières” tente de répondre à cette question : que se passe-t-il - d’un point de vue pictural - avec les jeunes femmes qui servent de modèles au peintre quand celle-ci les fait poser en train de lire ou d’écrire dans le sur-isolement d’une lampe de bureau ? Les paupières baissées ou la fixité des regards font taire les visages ; les mains, en cachant une partie de ces visages, imposent l’entrelacement dansant ou architectural de leurs doigts en avant-scène ; les ombres et reflets sur les peaux claires précisent quand a lieu l’action : à ce moment fugace qu’on appelle l’heure bleue et où les valeurs froides du dehors peuvent venir se combiner en douceur avec les roses et les orangés électriques sur la sculpture des corps.

L’exposition fait ainsi une large place à la couleur et, parmi les dessins, figurent des pastels relativement plus nombreux que d’habitude et présentés en contre-point libre et spontané aux peintures.

La rencontre avec les tableaux de Van Hove est pour nous l’occasion de constater que la tradition de l’art figuratif reste bien vivante. On s’extasiera, bien sûr, sur le métier de l’artiste, sur l’extraordinaire fini visuel - et tactile - de sa peinture. Mais on se demandera une fois encore comment, malgré une exécution dont on se doute qu’elle a exigé beaucoup de temps et de patience, Van Hove arrive à sauvegarder le naturel et la fraîcheur des attitudes de ses personnages. La réponse est : le dessin. Au commencement de ce genre de peinture est le dessin, toujours. C’est-à-dire la capacité à capturer le mouvement en quelques traits autoritaires, comme on attrape des papillons.

On peut ainsi vérifier devant ses tableaux que c’est bien dans l’Italie du XVIe siècle que Van Hove a appris à dessiner, comme beaucoup d’autres avant elle, Degas pour ne citer que lui parce qu’elle l’apprécie entre tous et multiplie d’ailleurs les hommages à son endroit. Que c’est donc bien aux Renaissants Italiens qu’elle doit son dessin, mais que c’est en revanche chez les Flamands qu’elle a appris à peindre et a acquis sa technique des glacis et son souci du détail.

Biographie

Née en 1942 à Paris, Francine Van Hove a enseigné quelque temps le dessin avant de se consacrer à la peinture.

Sa représentation si sensible de la féminité lui permet d’être vite remarquée. Depuis les années 1980, elle expose tous les deux ans à la galerie Alain Blondel et a participé à de nombreuses foires d’art contemporain en Europe et en Amérique du Nord.

88) Pour bientôt

2009-01-18T02:40:00.001-08:00

L’exposition est pour très bientôt : dans deux mois.
Samedi après-midi, Van Hove est allée porter les photos de 12 de ses tableaux à Jean-Marie -bien connu des visiteurs de la Galerie des Blondel-, et discuter avec lui du communiqué de presse qu’il est chargé d’écrire et de faire parvenir aux médias en même temps que ces photos.
Pas facile de discuter de son art avec Van Hove.
Premier problème : ce mot, “art”. Ses réactions devant lui font penser à celles de Brassens, qui se refusait à l’employer à propos de ce qu’il faisait, de ce qui n’était, disait-il, que des chansons, des chansonnettes, des “petites fêtes de notes et de mots”. Et ce qu’on avait la gentillesse d’appeler ses “poèmes” n’étaient que “des vers de mirliton”. Lui se considérant plus comme un artisan que comme un artiste, même avec un tout petit a.
Van Hove a beaucoup en commun avec Brassens, son amour des chats, bien sûr, mais aussi son plaisir inextinguible à écouter le fou chantant, Trenet.
Font aussi partie de sa vie Baudelaire et Aragon, récités ou chantés par Léo Ferré ou Jean Ferrat.
Léo Ferré. Gilles Vigneault, Félix Leclerc et son Petit Bonheur. Barbara. Et plus jeunes : Julilen Clerc et -beaucoup, en ce moment- Alain Souchon.
Quoi de plus grand que cette chanson française-là ?
Parmi les sujets de ses nouveaux tableaux, explique Van Hove à ses galeristes, on en trouve qui sont devenus récurrents dans sa production : “jeunes femmes devisant dans un jardin l’été” (peint à Château-Landon), “femme devant un grand miroir en triptyque”, “femme et chat”, un “hommage à Degas”. Peu de nouveautés à ce niveau iconographique, donc. Ah si! Il y a “deux jeunes femmes devisant dans une salle de bain”, une scène qu’elle n’avait jamais encore représentée et qui l’a tentée à cause de la lumière baignant l’endroit et des reflets sur le carrelage de faïence.
A chaque fois qu’elle fait une exposition, Van Hove privilégie un thème et lui consacre une série de tableaux de différents formats. En 2009, ce sera une recherche qu’elle a déjà abordée il y a un peu plus de dix ans et qu’on peut résumer par la phrase : “lire chez soi à la lumière de une ou plusieurs lampes”, sachant qu’elle s’est focalisée, cette fois, sur une heure précise qu’on appelle l’heure bleue, ce moment fugace où le jour et la nuit tombant ensemble dans la rue, il faut allumer pour continuer à y voir suffisamment clair dans les maisons, et où des tons dans les bleu, violet et vert en provenance du dehors viennent alors se combiner avec des roses et des ors sur la peau des personnages.

87) Les glacis

2009-01-03T09:48:00.000-08:00

Réponse à Nathalie Vogel :
Pour les glacis, Van Hove utilise le médium Maroger, qui est pâteux et sèche lentement, et le Rembrandt, qui est liquide et sèche relativement vite. Le premier se trouve en tube, chez Sennelier à Paris, par exemple, tandis que le second se vend en bouteille.
Outre des médiums -mais toujours pour avoir la possibilité de procéder par couches minces et transparentes ou par touches légères-, Van Hove utilise cet autre solvant qu'est l'essence de térébenthine, tout simplement, avec lequel s'obtiennent alors, non plus des glacis à proprement parler, mais ce qu'on appelle des "jus". L'avantage du jus d'essence sur le glacis est de sécher plus vite, et son désavantage de perdre son brillant en séchant. Brillant qu'on peut cependant lui rendre en le recouvrant d' une couche de peinture + médium (= glacis) ou de vernis à peindre. Sachant qu'un principe de base dans toute cette approche par couches minces et transparentes et touches légères est d'attendre que les dessous soient bien secs avant de passer à la couche ou la touche suivante, qu'il s'agisse de peinture diluée dans du médium (= glacis) ou de peinture diluée dans de l' essence (= jus).
En illustration à ce propos technique, ce détail d'un tableau commencé il y a quelques semaines et qu'on pourra voir fini chez Alain Blondel en mars :Il paraît que les Anciens attendaient de la technique des glacis qu’elle leur permît de peindre de grands tableaux d’un fini comparable à l’émail, comme l’Agneau Mystique de Van Eyck. Ce que lui demande Van Hove, quelques siècles plus tard, est un aspect final comparable au verre qui permette à ses peintures de fonctionner comme des fenêtres sur les murs où on les accroche et de se faire plus ou moins oublier au bénéfice de ce qu'elles représentent.

86) 2009

2009-01-01T01:32:00.000-08:00

Avec la permission de Van Hove, je me suis permis de mini-trafiquer une de ses peintures récentes pour dire
BONNE ANNEE ET A VOTRE SANTÉ !!!
à tous ses admirateurs lecteurs de ce blog.

85) Avez-vous un discours ?

2008-12-17T08:14:00.001-08:00

Un soir de novembre, Van Hove dîne chez ses amis Jeanne et Bruno. Au mur, plusieurs toiles dont un Boutet de Monvel, un Van Hove et deux oeuvres d'une peintre (figurative) de fleurs. A propos de cette dernière artiste, Jeanne raconte que venue présenter son travail à un galeriste, elle s’était entendue demander : « Avez-vous un discours ? »
Quelle amusante question.
Quelques jours plus tard, Jeanne apporte le catalogue de la dite peintre à FVH. On peut y retrouver la question du discours dans l’introduction –écrite par une journaliste- dont voici deux extraits :
« A la question, caricaturale mais bien réelle (je suis témoin) de certains galeristes : « Quel est votre discours à propos de vos tableaux ? », elle répond les yeux écarquillés : « Il n’y a pas de discours. Je peins. Avec mon cœur, mes tripes, ma peine, ma joie, je peins parce que c’est ma passion. Parce que je ne sais rien faire d’autre. C’est tout. »
« Elle intègre à 17 ans l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts dont son père architecte lui a parlé avec respect et admiration, et se rend compte que l’enseignement ne s’est toujours pas remis de mai 1968, que la démarche artistique s’inscrit dans un discours, ce qu’elle tient en horreur. »
Remarque : l’auteur de l’introduction, qui est d’accord avec l’artiste pour considérer que la peinture de celle-ci n’a pas de besoin d’explications (= de discours) pour s’apprécier, arrive quand même à en écrire une dizaine de pages. Mais peut-on se dispenser, sinon de discourir, du moins de bavarder quand on présente une oeuvre d'art ? On a toujours beaucoup parlé ou écrit sur la peinture. J'ai, dans ma collection de vieux livres, plusieurs ouvrages qui en témoignent, dont celui-ci du peintre André Lhote, lui-même grand parleur de peinture devant l'Eternel.
A propos du Van Hove de Jeanne-et-Bruno, voici une petite histoire amusante, histoire de parler, non plus d'art, mais de technique.
Un jour de 1986, nos deux amis déménagent aux Etats-Unis. Tout ce qu'ils veulent emporter avec eux -dont ce tableau- est mis dans des caisses et expédié quelques jours avant leur propre départ en avion. Quand, arrivés à destination, ils veulent récupérer leur bien, le transporteur leur apprend que c'est impossible : ses entrepôts sont interdits d'accès, non seulement parce qu'ils se trouvent sous l'eau suite au débordement d'une rivière proche, mais aussi parce que l'inondation a également concerné une usine de produits chimiques et entraîné, eu égard aux risques de contamination, des mesures de quarantaine locale.
Le Van Hove reste donc sous l'eau... dix jours. Mais, ô bonne surprise, quand on sort la tableau tout mouillé de sa caisse toute détrempée -adieu vêtements, photos, livres !-, on s'aperçoit que la toile elle-même n'a pas bougé d'un cil. Sauf que la peinture du cadre a légèrement bavé dessus, ce qui se répare en trois coups de cuillère à pot d'eau savonneuse.
Intéressante démonstration de la proverbiale solidité de la peinture à l'huile traditionnelle par glacis.

84) Prochaine exposition

2008-12-14T03:05:00.001-08:00

La prochaine exposition de Van Hove à la Galerie Alain Blondel est prévue pour mars prochain.
Le vernissage -entrée libre- aura lieu le jeudi 19 mars 2009.

83) Un dernier (?) mot

2008-12-14T02:26:00.001-08:00

Un dernier ( ?) mot sur l’expo de Château-Landon : une des visiteuses a appris à Van Hove que ses parents possèdent un de ses tableaux représentant une jeune femme se coiffant sous l’œil d’un appareil photo. Par curiosité, je me suis plongé dans les archives du peintre.

L’oeuvre est de 1978. L’appareil photo, qui est une chambre MPP 4x5, est ce dont se sert FVH encore aujourd’hui pour tirer le portrait de ses peintures avant de les livrer à son galeriste.
De ces archives, j’ai également extrait, pour le plaisir, les deux tableaux suivants, qui n'ont jamais été reproduits. Et d’abord la vue qu’avait la peintre à l’époque où elle habitait au 11, rue d’Odessa, Paris 14e.

A l’arrière-plan, la Tour Maine-Montparnasse dont Van Hove avait pu suivre la construction de la fenêtre de son studio du 4e étage et qui venait d’être terminée. Au premier plan, les vieilles maisons à grosses tuiles qui allaient bientôt être rasées et remplacées par cet autre sinistre ensemble immobilier qu’on appelle « L’Ellipsoïde » et que nous devons au même programme de modernisation destructrice du quartier. A mi-distance, une personnification de la nuit de Baudelaire :
« Et, comme un long linceul traînant à l'Orient,
Entends, ma chère, entends la douce Nuit qui marche. »

Comme le précédent, le second tableau date de l’époque où Van Hove n’osait pas encore être simplement, purement, traditionnellement figurative, figurative comme on pouvait l'être sans trop d'état d'âme avant l’invention révolutionnaire de la photographie… et les inventions néo-révolutionnaires du surréalisme, de l’hyperréalisme, du nouveau réalisme et… etc.

82) Caroline

2008-11-21T02:59:00.001-08:00

Van Hove a un nouveau modèle. Elle lui a été présentée par Marion. Elle s'appelle Caroline.
Elle remplace Camille, récemment entrée dans une vie professionnelle ne lui laissant plus le loisir de poser régulièrement - et qui avait été également présentée à la peintre par une autre modèle, Céline -. Enfin, "remplace" n'est pas le bon terme, car chaque modèle est unique.
Au premier plan : Féli le Chat, qui a pris l'habitude d'accompagner les modèles dans leur pose et qui, posant ainsi sans le savoir, apparaîtra bientôt dans un tableau en compagnie de Marion.
L'autre chat, Malou, pose lui aussi, habituellement, sur le coussin de droite. Mais ce jour-là, le jour de cette photo, elle venait d'être disputée pour avoir fait pipi sur un sous-vêtement et s'en était allé bouder dans une autre pièce.

81) A combustion lente

2008-11-20T06:18:00.000-08:00

Lors de la préparation de son expo à Château-Landon, je suis naturellement remonté aux premières œuvres de Van Hove. Pour constater, d'accord avec elle, que ce n’était pas… ça. Dans la réalité, Van Hove fait partie des peintres qui mettent longtemps à devenir ce qu’ils sont, des tempéraments artistiques dits « à combustion lente » et auxquels on pourrait ne prédire aucun avenir à leurs débuts. (Son frère Bernar, en revanche, a démarré très tôt sa carrière de dessinateur de presse en faisant des étincelles.)
Tombé sur la première peinture à l’huile de FVH, je lui ai demandé de raconter.
Voici, verbatim :
« Je devais avoir quinze ans. Mes parents m’avaient payé un magnifique attirail de peintre : une boîte de couleurs à l’huile, un chevalet du genre qui s’envole au premier coup de vent un peu fort, et de la toile, qui était du papier imitation toile dans la réalité, c’est moi qui avais choisi, une toile grossière, qui me semblait plus "peintre", plus "artistique". Alors, j’ai voulu peindre quelque chose qui me semblait magnifique : un pommier en fleurs, que je voyais du balcon de la maison de mon arrière-grand-mère, et je voyais aussi, au-delà, l’allée du jardin s'enfonçant vers des lointains brumeux pleins de rêves.
Résultat : une espèce de fromage blanc à la confiture de groseilles. Je n’avais pas réussi à attraper le rose des petites fleurs de pommier. J’avais utilisé du carmin et du blanc, et empâté, comme je croyais qu’il fallait faire, pour faire artiste, encore une fois. Quelle déception ! J’aurais pu tout arrêter. Mais mes parents m’ont obligée à amortir le cadeau en faisant des tableaux représentant des maisons : la maison où toute la famille passait des vacances à La Bernerie, la maison de Papé-Mamé à Château-Landon, celle de Bonne-Maman à Château aussi. Ils étaient tous très contents. Le tableau avec leur maison, Papé-Mamé en étaient ravis, ils l'avaient accroché dans leur chambre, et Papé est mort en l’ayant sous les yeux.
Après seulement -je devais avoir 16-17 ans-, j’ai commencé à peindre pour moi-même. Je me rappelle ainsi, peinte à Nargis, du bord du canal bordé de superbes platanes, une péniche qui s’appelait « Le Silex ».

80) MarieO

2008-11-02T09:54:00.001-08:00

Jeudi dernier, FvH a reçu la visite de Marie-O, son plus ancien modèle (1971), maintenant Toulonnaise et seulement de passage à Paris pour un stage de danse.

Toujours belle. Pourrait poser de nouveau...

... à condition de renoncer au soleil.

79)

2008-11-02T02:05:00.000-08:00

Voici, avec leurs légendes, les cinq tableaux auxquels j’ai fait allusion dans le message 78).
Le premier est le portrait du père, placé en tout début d’exposition :

« Papa », 1982. Huile sur toile.
Ce portrait de mon père, Pierre Boulitreau, a été peint à Château-Landon durant l’été 1982. Il a nécessité une douzaine de séances de pose, d’une durée de une à deux heures chacune, selon la résistance (au sommeil) du modèle.
Quand je lui proposais de lui mettre la radio ou la télé pour le distraire et l’aider à tenir, « Non non, » me répondait-il, « j’ai ma vie intérieure… »

Deuxième huile : un paysage, qui appartient à un autre grand nostalgique du Château-Landon de son enfance, Pierre, frère aîné de Francine :

« Les Deux rivières », 1989-1990. Huile sur toile.
Un des jolis coins de Château-Landon, peint en deux temps : d’abord sa partie gauche avec le bief, puis sa partie droite avec le Fusain.
La moitié gauche a été terminée en août 1989. Heureusement, car l’année suivante, pour cause de grave sécheresse générale, le bief était réduit à un lit de boue.

Troisième :

« Au bord du Fusain », 1980. Huile sur toile.
(Bien avant la tempête du 7 août.)
Le paysage a été peint sur le motif, mais sans les deux jeunes femmes.
Les personnages, même quand ils doivent figurer dans des scènes d’extérieur, sont toujours peints en atelier, pour éviter à la fois le soleil et les curieux.

Quatrième : un tableau sans légende celui-là, assez ancien, datant d’une époque où il arrivait encore à Van Hove de travailler d’imagination en ce qui concerne le décor :

Puis :

« Esquisse d’une aile », 1991. Huile sur toile.
Mes titres de tableau sont tantôt purement indicatifs (« Les Pommiers », « Draps blancs », etc.), tantôt plus chargés de signification.
« Esquisse d’une aile » fait partie de la seconde catégorie. Le tableau aurait pu aussi s’appeler « Moitié d’ange », ou « Elle aimerait voler », ou « Rêve d’envol ».

Cinquième huile originale :

« Lumière d’hiver », 1989. Huile sur toile.
Tous mes personnages sont peints d’après modèles. Les séances de pose ont lieu invariablement entre 9h30 et 12h30, avec une interruption au milieu.
Ce tableau représente un de mes modèles (Karen) pendant sa pause-thé dans l’atelier. C’est l’hiver et le soleil n’est plus que lumière, effectivement, et mieux vaut compter sur un radiateur et un bol brûlant entre ses paumes pour se réchauffer.

Et pour finir, ce tableau, dont il a déjà été question (message 66), et dont la présence était absolument nécessaire même s’il n’a pas été possible d’exposer l’original :

« Château-Landon », reproduction par « »Boucles d’Art » d’une huile sur toile de 1993-1994.
Peint durant deux étés consécutifs dans la cour de la maison que mon père possédait rue Charles de Gaulle.
Il était très fier de son mur de fleurs : une magnifique bignone agrémentée de volubilis.

78) Pas comme les autres

2008-10-03T00:44:00.001-07:00

Cette exposition n’a pas été comme les autres. Pour certaines raisons, le nombre d’œuvres originales a dû être réduit à cinq anciennes en ce qui concerne la peinture et trois en ce qui concerne le dessin. Le reste a consisté en reproductions, d’ailleurs excellentes, par « Nouvelles Images » ou par « Boucles d’Art ».
Quel était le but de l’opération pour Van Hove, de toute façon ?
Pas de vendre. Et pas non plus de se faire connaître à Château-Landon, sachant qu’elle était entièrement satisfaite de son anonymat dans le village et aurait préféré le garder.
Dans la réalité, il s’est agi pour elle,
- d’abord, de faire plaisir aux deux responsables locaux des Journées du Patrimoine à Château-Landon qui étaient venus lui offrir d’être l’invitée d’honneur de cette manifestation : Daniel Carroué, conseiller municipal et très sympathique voisin, et Claude Poireau, Président du Groupe « Histoire et Archéologie », dont le dévouement à la cause de la promotion de Château-Landon fait l'admiration générale.
- Et deuxièmement,

Francine et son père en promenade à Château-Landon en avril 2000
de rendre hommage à son père et, à travers lui, à ses ascendants nés et/ou ayant vécu à Château-Landon depuis elle ne savait pas combien de générations, des deux côtés de sa famille.
(Egalement décisif pour le peintre : l'attrait de la salle prévue pour l'exposition à l'Abbaye Saint-Séverin, avec sa belle enfilade de croisées d'ogives.)
Au-delà du portrait peint du père de FVH, Pierre Boulitreau, l’exposition commençait ainsi par une galerie de portraits : arrière arrière-grands-parents, arrière grands-parents, etc.

2008-10-02T01:57:00.000-07:00

On peut aussi dire de cette exposition qu’elle était didactique, le peintre expliquant pourquoi elle la faisait. Ce qui se traduisait par des petits mots sous chaque photo et sous presque toutes les peintures.

La photo la plus importante était celle de sa grand-mère paternelle, Elmire Boulitreau, née Farnault (et dite Mamé par ses petits enfants), qui venait en conclusion de la série et dont il était dit :
Pour moi, Château-Landon n’est pas seulement le village de vacances de mon enfance. C’est aussi mon lieu de naissance comme peintre, l’endroit où j’ai commencé à peindre, encouragée par mes parents et, surtout, par l’exemple de ma grand-mère qui dessinait très bien et dont je conserve précieusement plusieurs aquarelles.
Peu de photos ressemblantes de Mamé nous sont parvenues. Tout techniquement déficient qu’il soit, ce portrait fait partie des meilleurs.

Mamé appréciait rarement les photographies qu'on faisait d'elle et beaucoup ont sans doute été victimes de son intransigeance esthétique.
Celle-ci, entre autres, qui nous est quand même parvenue :

Mes grands-parents paternels se sont également mariés à Château-Landon, en 1911.
Voici la noce photographiée devant le magasin de chaussures et bonneterie de mes arrière grands-parents Farnault-Houy.
La mariée n’a pas aimé cette photo et l’a déchirée ; heureusement, son fils (mon père) a pu en sauver les morceaux et la reconstituer.

("Mais," me fait-on remarquer,
"parlant de Mamé,
on ne peut pas ne pas parler de Papé."
Papé, c'est-à-dire Georges Boulitreau,
grand-père de Francine,
qui a été par ailleurs maire de Château-Landon fin des années 40,
et dont le portrait figurait également dans l'expo photo.
Mamé et Papé, ou plus exactement,
PapéMamé,
aussi inséparables dans le souvenir du peintre
qu'ils l'étaient dans leur vie.)

2008-10-02T01:56:00.000-07:00

Une autre photo très intéressante, ou plutôt deux, qui se trouvaient associées dans la présentation :Photo du haut :
L’arrière de la maison que mes arrière-grands-parents Farnault se sont fait construire, rue de Montargis, en 1913.
Sur le perron : Papé, en militaire, et Mamé.
Mon grand-père est en permission et porte la barbe du Poilu ; c’est en effet la guerre 1914-18, dont il reviendra sauf mais gravement blessé et gazé.

En bas :
La maison aujourd'hui, un siècle plus tard à cinq ans près.
C’est cette maison que j’habite depuis maintenant six ans après avoir eu l’occasion inespérée de la racheter en l’an 2000.
Un moment « sortie de la famille » et victime de graves déprédations dans l’intervalle, la maison a dû être complètement restaurée. Le petit atelier de cordonnier à droite, qui avait brûlé, a été remplacé par un plus grand atelier de peintre. La restauration a pu se faire presque à l’identique grâce à l’habileté d’artisans locaux.

2008-10-02T01:53:00.000-07:00

Pour en terminer avec les photos de famille, ces deux dernières :

C’est à Château-Landon, berceau de leurs deux familles, que mes parents se sont rencontrés pendant des vacances d’été.
C’est aussi là qu’ils se sont mariés en 1934 et qu’ils nous ont emmenés régulièrement en vacances durant toute notre enfance.
(La petite Francine est encore blonde à l'époque.)

Les enfants Boulitreau en vacances à Château-Landon en 1952.
Avec nos parents, nos grands-parents des deux côtés (Boulitreau et Ragot), et notre arrière-grand-mère Farnault, nous vivions tous rue de Montargis (devenue Charles de Gaulle), dans trois maisons à quelques pas les unes des autres.
(Francine 4e en partant de la gauche.)

77) L'expo de Château-Landon

2008-09-28T23:01:00.000-07:00

L'exposition Van Hove à Château-Landon s'ouvrait sur un portrait d'homme et un panneau disant
"Cette exposition est dédiée à mon père qui m'a communiqué son amour pour Château-Landon et m'a donné envie d'y vivre".
Beaucoup de visiteurs.
Jusqu'alors un peintre mondialement connu par un petit nombre, Van Hove est maintenant localement connue par un grand nombre.

76) Flyer

2008-09-13T02:43:00.001-07:00

Les préparatifs de l’exposition de peintures et dessins de Van Hove à Château-Landon vont bon train. Un "flyer" –pour reprendre le terme utilisé par les organisateurs locaux- a été tiré. Le voici :La jeune femme du tableau a l’air de rêver d’une crypte, qui n’est pas une crypte à proprement parler, mais une cave, ancienne propriété d’un certain Evrard de Barres, Troisième Grand Maître Templier. A visiter.
Difficile d’imaginer l’importance de Château-Landon à l’époque de toutes ses constructions médiévales.
Difficile déjà, aujourd'hui, d’imaginer le Château-Landon des années 1940-1960 particulièrement cher au cœur de Van Hove, avec ses encore libres étendues champêtres juste après la maison de ses grands-parents paternels rue de Montargis.
Pour en revenir au tableau de notre flyer : il est de 2004, personnage peint en atelier à Paris, et décor peint l’été à Château-Landon. Titre : « Château-Landon ».

75) Un bord de rivière

2008-08-15T03:05:00.001-07:00

Dans la nuit du 6 août au 7 : tempête sur Château-Landon et sa région. Le jour se lève sur un spectacle de désolation ; dans les bois, les arbres couchés et/ou brisés sont innombrables ; les bords de rivières plantés de gros et ex-magnifiques saules et peupliers blancs sont dévastés.
Le tableau vedette dans l’expo Castel-Landonnaise de Van Hove sera un bord de rivière justement, datant de 1989-1990, fait à l'endroit dont je viens de donner une photo : Une anecdote à propos de ce tableau.
En juillet1989, quand Van Hove le commence, la pluie ayant été abondante les mois précédents, les deux cours d’eau sont pleins. En plus, il fait beau, la toile avance bien, et peut être terminée quant à sa partie gauche.
Il en va tout autrement l’année suivante qui a été marquée par une exceptionnelle sécheresse au printemps. Lorsque Van Hove revient au même endroit et y replante son chevalet pour achever le travail, il n’y a plus du tout d’eau à gauche : seulement un large fossé boueux. Quelle surprise alors pour les gens qui passent et s’émerveillent tout haut devant l’imagination de l'artiste capable de peindre la nature non comme elle est, mais comment elle devrait être ! Ou qui se disent : "Quelle menteuse !"

74) Avec mention de dessin

2008-08-08T00:25:00.000-07:00

On ne disait pas de Mamé qu'elle était l'artiste de la famille, ce qui était pourtant le cas, mais on (les parents de Francine) se plaisait à répéter qu' "elle était bonne en dessin", comme l'attestait d'ailleurs ce vieux certificat soigneusement conservé sous enveloppe et que j'ai retrouvé dans les archives familiales :Et, pendant l'année scolaire, on lui envoyait tous les "plus beaux" dessins de Francine.
Les compliments et les encouragements à continuer que celle-ci en recevait en retour ont été décisifs pour son avenir.

73) Les grandes vacances

2008-08-06T08:04:00.001-07:00

FVH a toujours été très bonne élève. Mais elle a toujours préféré les vacances, à commencer par ces vacances que sont, à l’école même, les récréations, où elle pouvait donner libre cours à une énergie physique dont elle a aujourd’hui l’impression rétrospective qu’elle était inépuisable.
Château-Landon, c'était les meilleures vacances, les plus grandes, trois mois, les vraies de vrai, le seul moment où l'on pouvait vraiment respirer, à une époque où on ne partait jamais en week-end, du moins les gens du niveau socio-économique des Boulitreau.
Et puis, à Château-Landon, il y avait Papé et Mamé, ses grands-parents paternels, des gens aimants,étroitement unis et très famille en même temps.Papé (Georges Boulitreau)a été Monsieur le Maire à Château-Landon.
Mamé, j’en reparlerai la prochaine fois.

72) ADN

2008-07-31T09:03:00.001-07:00

Je continue à m’occuper de l’expo Van Hove à Château-Landon. Ce qui veut dire deux choses. D’une part, discuter avec les responsables locaux des conditions matérielles de réalisation qui ne sont pas idéales. D’autre part, réfléchir au meilleur moyen d'exprimer l'attachement de Van Hove pour "son" village.
Ce second aspect de la question, le plus intéressant pour moi, m’amène non seulement à discuter avec l’intéressée, mais également à fouiner dans des boîtes de photos familiales et des cartons à dessin.
Ce matin, je suis tombé sur ce gribouillis :Ce qui frappe dans les dessins de Van Hove, même les plus jetés, c’est combien ils sont personnels dans leur extrême classicisme.
Aucun doute, c’est du Van Hove.
C’est sa patte.
Qu’est-ce qui constitue cette évidence artistique ? Qu’est-ce qui fait que telle œuvre est de tel(le) auteur(e) à l'évidence, ne peut être que de lui ou d'elle, et s'impose comme une signature en elle-même ?
Il y a quelques années, on parlait de style en affirmant que « le style, c’est l’homme ». Il y a quelques semaines, dans un DVD tourné pour l’exposition de Saul Steinberg à la Fondation H. Cartier Bresson à Montparnasse, j’ai entendu Philippe Geluck expliquer que n’importe quel dessin de Steinberg est comme une sorte d’empreinte génétique type ADN de son auteur, ne laissant aucun doute sur l’identité de celui-ci. Style, patte, ADN : même idée, même mystère.
Revenons aux photos familiales, et plus précisément à celle-ci, datant de 1952, sur laquelle les parents, pour faire le compte, ont collé une photomaton de leur petit dernier, Bernard, né cinq ans plus tard.
Ils ont été sept garçons et filles chez Pierre et Yvonne Boulitreau, qui ont tous passé leurs vacances à Château-Landon. Qu'est-ce qui fait que Francine –3e à partir de la droite- est le seul enfant à y être revenue régulièrement à l’âge adulte et à s’y être finalement installée ?

70) Choupette

2008-07-30T07:08:00.000-07:00

Remarques d'une fidèle lectrice (Chipou) sur la petite Francine : incroyable qu’elle ait été si blonde! Incroyable aussi sa coiffure!Réponse : cela arrive, des enfants blonds comme les blés jusqu'à trois-quatre ans et qui foncent ensuite progressivement, au grand désespoir des mères en général. F n’a pas été le seul cas dans sa famille.
Sa coiffure ? Très à la mode (enfantine) dans les années 40, cette boucle épinglée au sommet du crâne s’appelait une choupette.

69) Première photo à Château

2008-07-27T01:33:00.000-07:00

Certainement une des plus anciennes photos de FVH à Château-Landon.On l'y voit en compagnie de son père Pierre, de sa mère Yvonne, et des ses frères Pierrot et Alain. Agée de deux ans, elle est assez incroyablement blonde-comme-les-blés. Elle porte encore, naturellement, le nom de son père, Boulitreau, en attendant d'en changer vingt ans plus tard, lors de son mariage, pour celui de Van Nieuwenhove, puis celui de Van Hove plus facile à prononcer en France et surtout plus pratique pour signer des toiles.

68) L'Angélus de ChL

2008-07-19T10:27:00.000-07:00

En vue de l'expo à Château-Landon, je me replonge dans les archives familiales de FVH.
Voici une photo de ses arrière-grands-parents, Louis Joseph Farnault et Elmire Farnault née Houy.On pense bien sûr (?) à "l'Angélus" de Jean-François Millet peint à Chailly-en-Bière en 1858. D'autant plus que seulement 50 ans et 50 km séparent les deux scènes.

67) Château-L (suite)

2008-07-16T02:28:00.000-07:00

Château-Landon est un très joli village visité par un nombre croissant de touristes. Quand elle y reçoit des amis et qu'ils viennent de Paris par l'A6, FVH leur recommande toujours avec beaucoup d'insistance de sortir par le péage de Dordives, et non par celui de Nemours (curieusement baptisé MONTEREAU-FAULT YONNE / Nemours). Parce qu’alors, arrivant ainsi du sud, on tombe sur la plus belle vue de Château-Landon, sur l'alignement de ses vieilles maisons au sommet de son rempart pluriséculaire au-delà des prés, avec en arrière-plan l’église carolingienno-romano-gothique Notre-Dame de l’Assomption, au clocher si particulier.C'est là une première raison pour FVH d’aimer son village, et toute sa région qu’elle parcourt inlassablement à raison d’une heure de marche par jour : la beauté des sites.
Et puis il y a ces deux autres raisons que j’hésite à appeler spirituelles connaissant la réticence de FVH devant ce qualificatif -mais c'est bien de cela qu'il s'agit à mon avis :
- un, qu’elle y a développé de profondes racines au cours de son enfance, entées sur les racines de sa famille installée là depuis je ne sais –et elle non plus- combien de centaines d’années.
- et deux, que c’est à Château-Landon qu’elle a commencé à peindre, à l’âge de quinze ans, et qu’elle revient y travailler tous les étés depuis.
Cette année, elle fait des feuilles de figuier dans son jardin.
Le tableau va représenter deux amies, l’une étendue, l’autre assise, sur des chaises longues, et devisant à l’ombre d’un figuier. Confidences.
Les personnages ont été peints en atelier comme d’habitude. L’un des modèles s’appelle Camille; c’était son dernier tableau ; elle vient en effet de prendre un travail qui l’empêchera de continuer à poser, au grand regret de FVH. L’autre modèle est Céline, que j’ai déjà présentée dans ce blog, fidèle à « sa » peintre depuis 14 ans bien que devenue chef d’entreprise surchargée -« Boucles d’Art »- dans l’intervalle.

66) Journées du Patrimoine de Château-Landon

2008-07-15T03:09:00.000-07:00

Van Hove sera artiste invitée d’honneur aux Journées du Patrimoine de Château-Landon les 20 et 21 septembre prochains.
Ce n’est pas sans hésitation qu’elle a honoré cette invitation, sachant qu’en exposant sa peinture, elle allait devoir s’exposer elle-même, et alors risquer de devoir consacrer du temps à autre chose qu’à son travail. Alors qu’elle n’aime que cela à la campagne, comme d'ailleurs en ville : peindre chez elle, dans la compagnie de ses chats et de ses modèles.
Ce qui l’a amenée à accepter ? D’abord la pression de son entourage, dont celle, à la fois amicale et respectueuse, de deux personnalités locales dynamiquement impliquées dans la promotion de l’image de Château-Landon,Claude Poireau et Daniel Carroué. Et aussi l’idée, survenue en cours de discussion, que feux son père et ses grands-parents auraient été contents de voir cela.
Cette exposition, qui aura lieu dans une très belle salle de l’Abbaye Saint-Séverin, sera dédiée à sa famille, installée dans la région depuis elle ne saurait dire combien de générations exactement.
Qu’y trouvera-t-on ? Quelques peintures de plein air qu’elle a effectivement exécutées à Château, mais pas beaucoup malheureusement, presque toute sa production "de pays" ayant été vendue il y a déjà longtemps et étant impossible, sinon à localiser, du moins à faire venir d’ici septembre; quelques scènes d’intérieur typiques de son art; des dessins préparatoires originaux; quelques unes des reproductions que "Nouvelles Images" a éditées et diffusées dans le monde entier et qu’on trouve aussi bien à Paris et Bordeaux qu’à Buenos-Aires ou New York; plus (+) une reproduction « Boucles d’Art » d’un tableau qui devait absolument être de la fête, ne serait-ce qu’en raison de son titre,« Château-Landon", où l’on voit une jeune femme se reposer devant un des murs fleuris de l’ancienne maison paternelle.

65) Scène vécue au téléphone

2008-05-14T23:41:00.001-07:00

Une amie, qui est également une cliente, appelle au sujet de « Tchin Tchin ». Elle pourrait l’acheter, mais elle voudrait d’abord savoir ce qui se passe dans ce tableau. Elle ne voit pas bien.
Que fait cette fille à moitié couchée sur la table, à moitié endormie, peut-être, sauf qu’elle tient un verre de champagne plein et le tend vers un autre verre également plein, mais sans personne pour lui répondre ?
Toutes sortes d’explications de caractère anecdotique sont possibles, répond le peintre, qui n’a vraiment rien contre les anecdotes, bien au contraire comment on peut le constater dans le reste de sa production. Mais l’important ici est quand même ailleurs : dans l’arabesque du corps, dans l’attitude, et –très important- le sentiment général. L’attitude et le sentiment qui s’en dégage, le calme du visage se communiquant à tout le corps, un sentiment de vide et de plénitude qui se retrouve d’ailleurs dans le décor. Julia –c’est elle qui posait- n’est ni triste, ni gaie ; elle est là, comme le champagne dans sa coupe ; elle rêvasse.

64) Scène vécue

2008-05-14T06:44:00.000-07:00

Scène vécue chez Van Hove à la campagne :
Un de ses voisins vient rendre visite au peintre avec sa femme et sa fille. Il lui dit qu’il aimerait voir ce qu’elle fait. Elle lui donne à consulter un des livres déjà publiés sur son travail. Il le feuillette en la complimentant, puis le passe à sa femme et à sa fille, pour qu’elles voient à leur tour.
A un moment, FvH se retrouve seule avec la fille, qui fait aussi de la peinture, et qui lui explique alors que les « belles » femmes –geste de griffer deux paires de guillemets en l’air autour de l’adjectif-, c’est moins intéressant que les grosses femmes avec de beaux bourrelets partout, ou les vieilles quand elles sont très ridées, ou encore un beau noir avec une musculature impressionnante. Tout cela, les grosses, les vieilles et les noirs baraqués, c’est plus « fort ».
Un peu plus tard encore, le père, s’étant replongé dans le livre, s’exclame : « Mais il n’y a que des femmes ! Vous ne faites jamais d’hommes ? »
Combien de fois a-t-on déjà fait ces remarques à l’artiste : seulement des femmes…, seulement de jeunes et jolies femmes…, seulement des peaux claires... ?
Presque à chaque fois qu’on l’a interviewée sur sa peinture, en fait.
Je cite :« J’ai dit tout à l’heure que je choisissais comme modèles des femmes avec lesquelles je pouvais m’identifier a priori. C’est vrai, mais il entre en plus dans mon choix des considérations picturales qui me conduisent à préférer des types physiques bien différents du mien, en particulier des peaux claires présentant l’avantage de renvoyer la lumière au lieu de l’absorber, comme le font les peaux mates. »

« As I said earlier, I choose women I can identify with on the whole. It’s true, but I have to consider pictorial factors in my choice, and this leads me to prefer physical types that are quite unlike mine. I particularly like to paint light-coloured skins on which the light reflects better, whereas matt complexions tend to absorb the light.”

“Ces deux questions reviennent souvent : pourquoi ne peindre que des femmes ? Et pourquoi seulement des blondes à peau claire ?
D’abord, je ne peins pas que des femmes. Je peins aussi des tables et des chaises, du pain, des livres […]
Par ailleurs, mes modèles ne sont pas tous blonds. Tous ont ce teint lumineux qu’on trouve plus souvent associé à des chevelures claires, c’est vrai.Mais j’ai eu des modèles bruns à peau ivoire, et une majorité de châtains, que je peins tels quels, ou transforme en blondes ou en rousses selon les besoins de l’harmonie générale du tableau. En peintre aussi, les cheveux se teignent plus facilement. Il n’y a pas que dans les salons de coiffure. Tandis que la peau, ça ne s’invente pas. […] Comment une peau pouvait-elle avoir de telles réactions à la lumière, être capable de la renvoyer au bond en transformant l’ombre elle-même en lumière ? Comment rendre cette impression de lumière semblant venir de l’intérieur ? »

« I am frequently asked these two questions : Why do you paint only women ? Why only blondes with fair skin?
First, I do not paint only women. I also paint tables and chairs, bread, books […]S
Besides my female models aren’t all blond. It is true that they all have luminous complexions that are most often associated with light hair. But I have had dark-haired models with ivory skin and a majority of chestnut-haired models that I paint as they are, or transform into blondes or red-heads depending on the general harmony of the painting. In paintings hair can be easily dyed. It isn’t only done in hair salons. Skin however, can not be invented. […]S How could skin react so to light, be capable of bouncing it back and transforming shadow itself into light? How to render this impression of light seeming to come from within?”

“Que demandé-je à mes modèles ? D’avoir un certain type : jeune, d’une jeunesse printanière, avec une peau la plus claire possible, la plus sensible possible à la lumière. L’apparition du printemps dans le Grand Nord […]Je suis consciente, avec mes critères esthétiques, de contribuer à la survalorisation de la beauté et de la jeunesse dans une société foncièrement injuste à ce sujet, et je le regrette le plus souvent. Je n’ai plus vingt ans moi-même, depuis bien plus de vingt ans. Je suis d’accord, en partie du moins, avec ceux qui prétendent que les femmes peuvent rester belles en vieillissant : « les rides sur les visages des femmes, c’est de l’histoire, ce peut être de la tendresse, des histoires d’amour, etc. »
Il n’y a pas que les hommes qui ont le droit de vieillir en beauté.
Le problème est que la beauté des femmes est plus souvent celle des fleurs, tandis que celle des hommes : celle des arbres. Existe-t-il vraiment de belles vieilles fleurs, comme il existe de beaux vieux arbres ?
Mon problème personnel, par là-dessus, étant que la beauté féminine qui m’intéresse en peinture est, de toute façon, celle des fleurs […] »

« Mes femmes, mes modèles, jouent un rôle considérable dans ma peinture. Elles sont obligatoirement différentes de moi, qui pourrait maintenant être leur mère et suis née de toute façon brune à peau très mate […]Nous sommes entre nous et tenons absolument à le rester. Ce qui explique qu’il n’y ait pas d’hommes sur mes toiles, l’homme étant, pour moi, l’Autre, avec ce que cela a de fascinant mais aussi d’étranger, de complètement insaisissable et de nécessairement irréductible à notre condition féminine. »

« My models play an important part in my painting. They are very different from me who could now be their mother and was born brunette with a mat complexion […] We are “entre-nous” and would like to keep it that way. This explains why there are no men in my paintings. Man is for me The Other, with all that is fascinating yet foreign, completely elusive and necessarily irreducible to our feminine condition.”

“Une question qui vous est souvent posée : pourquoi des jeunes femmes et seulement des jeunes ? Pourquoi toujours des blondes ? Pourquoi des nus ?
Oui, c’est une question qui revient souvent. Ma réponse est : de jeunes femmes parce que la jeune femme est « le » thème par excellence dans la tradition de l’art occidental où je me suis volontairement enfermée. Pourquoi seulement des femmes jeunes et pas de femmes de mon âge, par exemple ? Parce que « la beauté de la jeunesse », tout simplement. Je sais, vous allez me dire que les visages ridés, c’est beau aussi. Je connais bien cet argument. Il nous est servi tous les jours par des gens légitimement préoccupés par le racisme jeuniste. Mais c’est ainsi, pour tout le monde : la beauté des femmes est celle des fleurs. […] On pourra considérer que les choses ont changé quand on cessera de comparer les femmes à des fleurs, qu’on cessera d’employer des expressions comme « la fleur de la jeunesse », ou « jeunes filles en fleur ». Quand on cessera de découper l’année en quatre saisons et d’avoir l’impression, à l’automne, d’une descente, de l’approche d’une mort, et au printemps, d’une renaissance au contraire. Quand on cessera d’assimiler l’hiver à la mort et de craindre la mort.
Si , j’ai répondu : parce que le nu feminine est le grand theme en art traditionnel, pour les hommes comme pour les femmes qui ont été formés à ce genre de peinture, ce qui est mon cas. Le nu féminin est mon vocabulaire de base.»

« Here’s a question that you are often asked : Why young women, and only young? Why always blondes? Why nudes?
Yes, that’s a question that’s often raised. My answer is, young women because the young woman is the subject par excellence in the tradition of Western art, to which I voluntarily confine myself. Why young women and not women of my own age, for example? Because of “the beauty of youth”, quite simply. I know, you are going to tell me that lined faces are beautiful too. I know that argument well. It’s give everyday by people legitimately concern with ageism. But that’s how it is, for everybody; the beauty of women is the same as the beauty of flowers, and not the beauty of trees, or men. That’s how it is, alas. You could believe that things have changed the day we stop comparing women to flowers, when we stop using expressions like “flowering youth” or “young women in full bloom”, and when we can say the opposite, “a beautiful old flower”, like we already say “a beautiful old tree”. When we stop dividing the year into four seasons and have the impression that autumn is the decline, nearing death, and springtime a new beginning. When we stop associating with winter and death and stop fearing death. And it’s not going to happen soon!
And the nude ? You haven’t answered the question: why your marked preference for the nude?Yes, I answered. Because the female nude is an important theme in traditional art, the most important as a matter of fact, for men as well as women who were trained in that kind of painting, which is my case. The female nude is my basic vocabulary.”

63) Poser

2008-04-09T08:26:00.000-07:00

Ce n’est pas facile de poser. Même un geste comme celui de Camille montré en 62) est difficile à tenir, et n’importe quelles autres attitudes,pourtant a priori toutes naturelles, peintes par Van Hove.
Quelques minutes suffisent pour le vérifier.

« Etre modèle », explique Van Hove, « pour un peintre figuratif dans mon genre, demande beaucoup de travail et de courage physique, ainsi que la débutante peut s’en rendre compte dès la première séance de dessin (de trois heures), sans arrêts autres qu’un thé au bout d’une heure et demie. Pas de mondanités, pas de psychanalyse : on prend les poses indiquées et on les tient. On les tient le mieux possible. Je suis patiente, et fais le maximum pour le confort de mon modèle, en recourant à toutes sortes de prothèses, comme un manche à balai sous un coude tenu haut, ou une pile de livres et revues sous un pied. Mais il faut tenir –et la même pose exactement- pendant des semaines parfois. Tout le monde n’est pas capable de le faire, n’a pas la volonté et la persévérance nécessaires. Bizarre « activité » pour des jeunes filles toutes plus ou moins élevées, sinon dans le culte de la vitesse, du moins dans l’idée que travailler, c’est bouger. Et cela encore à une époque où tous les autres arts visuels se sont donnés les moyens techniques de faire comme si la vie n’était que mouvement. »

Not so easy to model. Even a gesture as simple as Camille’s in 61) is hard to hold.
“For a figurative painter of my sort”, says Van Hove, “modelling is a demanding job, which requires hard physical work and a good deal of courage –as any beginner will soon find out at her very first sitting, which lasts for three hours without a break, apart from a cup of tea half way through. No polite exchanges no psychoanalysis: poses are proposed, taken and held. As best they can. I am patient and do my utmost to make my model comfortable, calling on all sorts of artifical props, like a broom handle to support an uplifted elbow or a pile of books and magazines placed under one foot. But exactly the same pose must be assumed sometimes for weeks on end. Not everyone is able to do it, for lack of the will-power and perseverance it demands. A strange “activity” for young women all more or less nurtured, if not on the cult of speed, at least on the idea that work entails motion. Still more so in a period when all the other visual arts have acquired the technical means of making out that in life movement is everything.”

62) Poser

2008-04-01T06:50:00.000-07:00

Scène d’atelier (le modèle s’étant rhabillée pour la photo) : Camille pose un verre à la main, comme si elle s’apprêtait à boire à la santé d’une vis-à-vis.
Pour aider son modèle à tenir sa pose pendant les deux heures et demie de la séance,
la peintre a disposé des dictionnaires sous son poignet et un chiffon sous son coude.
Deuxième scène d'atelier, peinte par Michel-Ange Houasse au début du XVIIIe siècle :
Dans ces grands ateliers collectifs, des cordes pendaient du plafond, s'offrant aux modèles pour accrocher leurs mains ou pieds.
Autre moyen d'usage courant dans les ateliers plus modestes : l'échelle.

61 "0phélie" (suite)

2008-03-18T10:00:00.000-07:00

Chère Pascale, complément d'explication :
Dans le petit livre qui lui est consacré en 1986, Francine Van Hove dit, à propos de l’usage des modèles et de la photo en peinture (les deux questions se trouvant intimement liées) :
« J’ai toujours travaillé avec des modèles. Enfin, presque toujours. Avec mes frères et sœurs quand j’avais quinze ans. Et avec des modèles professionnels ensuite, pendant mes études pour le professorat de dessin.
J’ai quand même connu un moment presque sans modèles, après avoir démissionné de l’enseignement, quand je me suis retrouvée seule dans un petit studio, sans aucune envie de retourner travailler en atelier collectif, à la Grande Chaumière par exemple, comme du temps de mes études, ni de sacrifier une partie de l’intimité de mon chez-moi en y admettant une étrangère.
J’aurais aimé me passer de modèles, et ai d’ailleurs essayé de le faire en me débrouillant avec ma mémoire fraîchement nourrie de centaines d’heures d’études anatomiques, avec mon imagination et en me prenant moi-même comme modèle. Mais cela n’a pas suffi. Surtout lorsque j’ai été tentée d’augmenter le format de mes personnages. Aussi bien en ce qui concerne les lignes et les volumes que les couleurs, la richesse d’information nécessaire en peinture figurative –telle que je conçois cette sorte de peinture du moins- impose la pratique du modèle vivant.
Aurais-je pu m’en sortir avec des photos ? L’idée ne m’est même pas venue d’essayer. J’appartiens à une tradition qui exclut la photo. Jamais dans les écoles que j’ai faites, il n’a été question d’utiliser la photo. Et puis, prendre des photos, aller les faire développer, les projeter, etc., tout cela aurait représenté pour moi une complication inutile : il me semblait tellement plus facile de me débrouiller avec un crayon ou un pinceau (seulement un, même pas deux) et quelques couleurs. Je sais que beaucoup de gens sortent de mes expositions avec l’impression –ou la certitude- que je travaille d’après photo. La vérité, à la fois beaucoup plus simple et compliquée, est que je travaille uniquement « sur le motif » ; dans la nature quand je fais un paysage, devant l’objet quand c’est une tasse de café que je dois peindre, et uniquement avec modèles vivants pour le dessin de personnages.
Il m’arrive de me servir de photos, ou plus exactement de polaroïds –la seule sorte de photos qui convienne à mon extrême paresse mécanique-, mais seulement pour enregistrer la disposition des éléments d’un décor que je ne peux conserver tel quel dans mon appartement, et que je dois pouvoir rétablir exactement, jusqu’aux plis des tissus, quelques jours plus tard pour une nouvelle séance, ou pour enregistrer une attitude de modèle que je sais impossible à garder plus de dix minutes et de toute façon difficile à se remémorer pour la jeune fille, une attitude que je dois d’ailleurs peindre par morceaux,comme pour « La Philosophe » par exemple : d’abord le bras levé, puis la tête renversée, puis les jambes croisées, etc.
A part cela, pas de photo, mais du contact direct, du rapport vivant. Parce qu’encore une fois, il n’y a aucune comparaison entre un modèle vivant et une photo sous l’angle de la richesse d’information. D’abord parce que le modèle est vivant, justement, avec sa personnalité. Physiquement vivant. Les lignes d’un modèle, même censé poser dans la plus grande immobilité, bougent sans arrêt, du fait du modèle, mais aussi de celui du peintre qui cherche à comprendre comment telle ligne se raccorde à telle autre dans l’espace, comment c’est derrière, comment ça s’emmanche, là, l’épaule et le bras, en multipliant ses points de vue. Une attitude sur la toile est toujours le résultat de la synthèse dynamique d’une quantité astronomique de positions légèrement variées. Le problème de la photo est qu’elle est tout simplement figée, et qu’elle ne donne jamais qu’une position, et opère l’obligatoire réduction des trois dimensions de la réalité aux deux dimensions de la toile sans compensation mentale en quelque sorte. Un avantage décisif d’un bon dessin d’après modèle vivant est qu’il contient plein de « savoir » sur l’espace et le volume. En ce qui concerne la couleur par ailleurs, l’appauvrissement de la photo est double, du fait de son caractère figé et de la nature chimique du support. Comment pourrait-on hésiter ?"

Chère Pascale (bis), voici maintenant la même chose en anglais pour ton ami Robert, qui a, lui aussi, posé la question des rapports entre peinture et photographie chez Van Hove, et qui ne parle pas encore français :

"I have always worked with models. Or almost always. When I was fifteen, with my brothers and sisters. And then when I was studying to be a teacher of art, with professional models. I have, however, known a period of time almost without models when I resigned from the teaching profession and found myself alone in a small studio with no desire to return to working in an atelier with a group, as at the Grande Chaumière for example during my student days, nor to sacrifice one iota of the privacy of my own home by permitting a stranger to share it.
I should have liked to do without models, and I have indeed tried to do so by relying on my memory freshly stimulated by hundreds of hours of anatomical studies, on my imagination, and by using myself as my model. But it was not enough. Especially at a time when I was tempted to enlarge the size of my characters. The wealth of information required in a figurative painting –at least as I conceive this sort of painting to be- relating as much to line and volume as to colour, necessitates the employment of live models.
Could I have found a way-out through photography? It never even crossed my mind to explore this solution. The tradition from which I spring excludes photography. Never in the schools in which I studied was there ever any question of using photographs. And then, taking them, getting them developed, projecting them, etc., all this would have made an undue complication for me: it seemed so much easier to get it by with a pencil or a brush (only one, not even two) and a few colours. I know that many people leave my exhibitions with the impression –or even the conviction- that I work from photographs. The truth is – and it is both a simpler and more complex matter- that I work solely “on the subject itself”, from Nature when I’m making a landscape, with the object in front of me if I’m to paint a cup of coffee, and in depicting characters exclusively with live models.
It can happen that I use photographs as an aid, or to be more precise polaroids –the only kind of photography that suits my lazy approach to things mechanical; but purely to register the disposition of elements which are bound to be disturbed in my apartment, but which I have to be able to reproduce exactly for a new sitting several days later –even down to the folds in drapery- or to perpetuate a model’s pose which I know is impossible to hold for more than ten minutes and is in any case hard for a young girl to memorize. The sort of pose moreover that I have to paint sit by sit, as for example in “The Philosopher”, first the raised arm, then the head tilted back, the crossed legs, etc.
Apart from that, no photographs; just direct contact, a living relationship.Because once again there is no comparison between a live model and a photograph when it comes to wealth of information. First, just because the model is alive, with her own personality. Physically alive. The linear definition of a model, even when a pose is meant to be sustained with maximum immobility, is constantly fluctuating, not only because of the model, but also of the painter who is seeking to grasp how one line ties up with another in space, how it looks from behind, how certain elements relate together, say the shoulder and the arm, thus multiplying viewpoints. On canvas a particular pose is always the result of a dynamic synthesis of an astronomical number of minutely variable positions. The problem with a photograph is quite simply that it is unchanging and never offers more than one attitude, thus inducing the reduction of the three dimensions of reality to the two dimensions of a canvas without allowing for any kind of mental compensation. The marked superiority of a good drawing of a live model consists in its being full of a “knowledge” of space and volume. Furthermore when it comes to colour, the poverty of photography is doubly apparent because of its fixed tonal values and the chemical nature of the medium. Can one hesitate to choose between them?"

60) "Ophélie"

2008-03-18T08:59:00.000-07:00

« Tu me dis », me dit mon amie Pascale, « que Francine Van Hove ne peint pas à partir de photographies. Mais j’ai du mal à te croire quand je regarde un tableau comme « Ophélie », et surtout le vêtement en cuir. On dirait vraiment de la photo. Mais peut-être n’ai-je pas l’œil assez exercé pour voir la différence… »"Ophélie" est reproduite dans un des livres sur Van Hove, publié en1987. Le tableau lui-même est de 1986. Vingt-deux ans déjà…
Explications.
Premier point : tous les êtres et objets représentés ont posé, et cela de longues heures devant le peintre. La jeune femme, Karen, a posé. Les coussins de cuir ont posé. Le vêtement en cuir a posé. Les deux coussins en bas à droite ont posé. Les chats, Sarah et sa fille Annabelle, ont posé. L’ombre de la fenêtre et de sa rambarde également. Et la moquette.
Deuxièmement, ces êtres et objets n’ont pas posé tous ensemble. On s’en doute en ce qui concerne les chats qu'on ne peut commander et qu’il a fallu dessiner au moment et là où ils choisissaient de s'endormir en yin-yang, ce qui arrivait souvent, heureusement, et est d'ailleurs arrivé une ou deux fois exactement comme on le voit dans « Ophélie ».
Le divan a été peint en deux fois et deux endroits différents. A l’époque de ce tableau, en effet, FVH ne disposait pas encore d’un véritable atelier, ni même d’une pièce d’appartement à la fois assez claire et assez grande pour y installer son divan en entier. Elle a donc dû se contenter d’une partie de ce divan –ses coussins- pour y allonger Karen, en laissant le reste dans une autre pièce –plus grande mais aussi trop sombre-.
Si on regarde plus attentivement, on verra que la jeune femme repose, non vraiment dans le divan, mais sur des coussins de divan seulement, à même la moquette.
En l’absence du modèle, les plis produits par ses pieds s’enfonçant dans le coussin devaient être reproduits avec des poids de balance ancienne.
Pour exécuter le dossier du divan, le peintre s’est transportée avec son chevalet de campagne dans l’autre pièce plus grande mais aussi plus sombre, son salon, jouxtant sa chambre-atelier. Mais il ne s'agissait que d'un petit bout de dossier.
Avec cela, il a fallu profiter de plusieurs visites du soleil dans cette petite pièce orientée sud-sud-ouest pour faire les ombres de l’ouverture de la fenêtre et de sa rambarde en fonte, puis les deux coussins en tissu.
Je raconte tout cela, qui peut paraître ennuyeux et superfétatoire, pour bien préciser que Van Hove travaille à l’ancienne (comme avant 1830), et pour évoquer aussi de quelles facilités elle se prive en n’utilisant pas la photographie grâce à laquelle elle eût pu réduire le temps de pose de la veste à quelques minutes, au lieu des plusieurs semaines.Chère Pascale, pour en finir avec cette longue explication : je peux comprendre que tu ne le croies pas, et que cela paraisse incroyable aux yeux de la plupart des gens aujourd’hui, mais, parole de témoin, ce tableau a été peint tout entier directement sur le motif.
Maintenant, est-ce que moi, qui prétends m’y connaître un peu plus que toi en peinture figurative, je verrais la différence entre une représentation de ce type et une représentation à partir d’une photo ?
Ca, c’est une autre question pour un numéro ultérieur.

59) Peinture et photographie, suite

2008-03-07T07:17:00.000-08:00

Mon blocage de ces dernières semaines est lié à deux réflexions. La première a fait l’objet du message 58).
Voici la seconde, en plusieurs propositions :
- peinture traditionnelle et photographie appartiennent à la même ligne évolutive, la photographie descendant de la peinture figurative comme on a longtemps dit que l’homme descendait du singe ;
- il est tout à fait justifié jusqu’à un certain point de dire d’un tableau de Van Hove ou de n’importe quel bon petit maître Flamand des XVe et XVIe siècles, ou d’un Andrew Wyeth, que c’est comme une photo, soit pour complimenter (« C’est beau comme une photo ! »), soit pour déprécier (« Ce n’est que de la photo ! »)… sauf qu’avec les peintres que je viens de citer, on se trouve en présence, non de photographies, mais de peintures ;
- parmi les gens qui achètent des Van Hove, il y en a qui considèrent ses tableaux comme des espèces de photos, photos d’un monde imaginaire, certes, mais photos tellement photographiques qu'on a l'impression de scènes réelles ;
- et il y en a qui y voient, en pluss, de la peinture ;
- pour aimer la peinture figurative, il faut ainsi être naïf comme un enfant, ou naïf comme un « adulte chez qui l’enfant de sept ans est resté vivant » ;
Et ici, je reviens à l’article de J.-D. Lajoux dont j’ai déjà donné des extraits en 53) et 57), et qui mériterait à mon avis de faire date en histoire et en philosophie de l’art.
En nous révélant que des hommes adultes peuvent ne pas être capables de lire une photo, il nous offre la possibilité de prendre conscience de la profondeur de notre conditionnement à la photographie, qui nous induit à penser -comme J.-D. Lajoux avant cette expérience- que ce moyen de représentation possède « les qualités d’un langage universel ».
« Je gardais [jusqu’] alors le sentiment que la photographie possédait les qualités d’un langage universel, Mais ce n’était qu’une illusion. »
On a évoqué plus haut la naïveté de ceux qui, devant une peinture figurative, réagissent spontanément comme s’il s’agissait d’une photo (« faite à la main »). Puis la naïveté de ceux qui continuent à aimer la peinture figurative comme reflet de la réalité en même temps que comme peinture. Voici une troisième naïveté : celle du savant (celle de J.-D. Lajoux et la nôtre) qui ne savait pas, avant sa rencontre avec ces villageois du Sud-Vietnam, que « l’image photographique noir et blanc est une représentation symbolique dont la compréhension n’est pas évidente ».
Dans son article, J.-D. Lajoux nous fait ainsi le récit de deux prises de conscience fulgurantes, de deux illuminations :
- celle de l’homme évolué qui découvre que la photographie, ce n’est pas évident, pas ordinaire pour l’homme, que c’est au contraire quelque chose d’ extraordinaire, au sens fort et premier du terme,
- celle d’un « primitif » -un jeune garçon !- qui découvre la photographie.
« En effet, ce fut un jeune garçon, attentif à mes propos, qui comprit le premier ce que je répétais depuis dix minutes : « Là, les yeux, ici le nez, la bouche, les cheveux, etc. ». Alors, conscient d’avoir fait une grande découverte, il prit la photo et la brandissant à bout de bras, il se mit à crier : « C’est une femme, c’est une femme ! » »
Deux choses, donc, que nous pouvons apprendre avec J.-D. Lajoux et ses villageois : 1, que nous avons du mal à imaginer qu’on peut ne pas savoir lire une photo, et 2, qu’une représentation « objective » -comme à travers un objectif photo- est par nature extraordinaire.
Pour terminer ce chapitre sans doute un peu trop intellectuel, pour Francine Van Hove entre autres, , voici le portrait de son père par l'artiste : une photo comme au XVIe siècle.
"C'est un homme, c'est un homme!"

58) Surtout...

2008-02-27T05:10:00.000-08:00

... ne pas se dire qu’écrire sur les tableaux de Francine Van Hove, c’est finalement trahir l’artiste dans la mesure où sa démarche consiste à tout dire en peignant. Sinon, on risque de se retrouver bloqué, comme cela m’est arrivé ici ces dernières semaines.

57) Suite de Pourvu qu'on aime

2008-01-09T07:37:00.000-08:00

Voici la suite de l'article de Jean-Dominique Lajoux et de son histoire de photo :
"La lecture des images est-elle donc un privilège des sociétés que l'on a coutume de dire "évoluées" ? Et doit-on penser que ce genre de document ne peut être considéré par les populations dites "primitives" que comme un objet plat ?
Les montagnards indochinois me donnèrent rapidement la réponse. En effet, ce fut un jeune garçon, attentif à mes propos, qui comprit le premier ce que je répétais à chacun depuis dix minutes : "Là, les yeux, ici, le nez, la bouche, les cheveux, etc." Alors, conscient d'avoir fait une grande découverte, il prit la photo et la brandissant à bout de bras, il se mit à crier :"C'est une femme, c'est une femme!"
A sa suite, grâce à ses explications rapides et enthousiastes, que je ne pus comprendre, ses concitoyens découvrirent à leur tour le mystérieux visage imprimé sur le papier. Il en fut même un pour me dire le nom de la femme photographiée : il la connaissait bien."

56) Chat poseur

2007-12-05T01:26:00.000-08:00

J'ai une raison de parler si souvent de ses modèles à propos du peintre : son art ne se conçoit pas sans elles.
Assez souvent, attirées par la chaleur des radiateurs placés autour du modèle, les chats s'installent autour ou sur celui-ci et l'accompagnent dans sa pose.Le jour de cette photo, c'était Malou qui s'était emparée du modèle, tandis que l'autre chat Féli (hors champ) s'était retirée tout en haut du chevalet, son poste d'observation favori. (Non, je ne fais pas de faute d'orthographe en n'accordant pas mes participes passés "attirées", "emparée" et "retirée" avec "chat(s)" au masculin, car tous les chats, comme tous les modèles pour Van Hove, sont obligatoirement féminins, quelle que soit la façon dont on en parle.)
A la chaleur des radiateurs, le modèle ajoute celle d'une double paire de chaussettes en profitant de ce que sa peintre se concentre sur son visage. Le coussin sur le tabouret sera dans le tableau, mais pas ceux sous la fesse et sous le mollet gauches seulement destinés à réduire l'inconfort de la pose. Devant ce modèle, surnommée Pretty Woman, et qui est aussi une Business Woman : son mobile qu'elle manipule quand il sonne -quatre ou cinq fois par séance en général- en ne bougeant que le bras droit. Au premier plan, la palette papier du peintre.

55) Reconnaître

2007-12-04T02:46:00.000-08:00

Il y a quelques années, rares étaient les gens qui reconnaissaient les modèles de Van Hove quand ils avaient l'occasion de les croiser, au cours d'un vernissage par exemple. Cela a un peu changé. Il est vrai que les modèles d'aujourd'hui, Céline, Julia, Rivka et Marion, à l'exception de la petite dernière Camille, atteignent ou dépassent le 1,70 m, alors que la génération précédente tournait autour d'1,60 m, et parfois encore moins, comme dans le cas de Karen.
Comment pourrait-on ne pas remarquer Julia et Marion et leur 1,80 m hauts talons compris ?
Il y a aussi et surtout que Van Hove est de plus en plus réaliste, qu'elle peint de plus en plus "ressemblant"-, et, dans cette mesure, aggrave son cas de peintre pas moderne.
En peinture dite moderne, en effet, il ne faut pas "faire ressemblant", pas donner à voir des choses qu'on reconnaît. Charles Matton en parlait l'autre jour sur Europe 1, dans le cadre de son interview par Frédéric Taddéi le 22 novembre vers 15 heures, pour être tout à fait précis.
Combien cela avait été difficile pour lui au début, en tant que peintre figuratif ! racontait-il.
Un jour...
Cela se passait dans les années 1950.
Van Hove se rappelle bien cette époque qui a été celle de ses propres débuts
Un jour, donc, Matton se rend chez un marchand pour lui présenter son travail. Comme il est en 2CV et ne trouve pas à se garer près de la galerie, il s'arrête juste en face le temps de décharger pour repartir aussitôt à la recherche d'un endroit où caser sa voiture. Quand il revient, il retrouve ses tableaux posés par terre le long d'un mur tous cul par dessus tête.
A l'époque, sa peinture n'étant pas aussi figurative qu'aujourd'hui, le peintre peut imaginer que le galeriste s'est simplement trompé et lui propose spontanément de remettre ses toiles dans le bon sens.
"Non, laissez, c'est mieux comme cela", lui répond le marchand. Et de lui expliquer que quand il reconnaît quelque chose dans un tableau, ça l'empêche de juger de la peinture. ("Pour juger la peinture, il ne faut pas que je reconnaisse quelque chose".)

54) Photo (2)

2007-12-04T00:07:00.001-08:00

Quelques jours seulement après ce que je raconte dans 51), Van Hove se fait aborder par une jeune femme.
- Ah, je suis si contente de vous rencontrer. Je vous admire tant... Ce que vous faites est merveilleux...
La scène se déroule dans le foyer de la Gaîté Montparnasse où FVH est venue assister au one-woman-show d'un de ses anciens modèles, Isabelle, comédienne, metteur en scène et auteur de théâtre. Une création que FVH, et également Céline qui l'a accompagnée, ont trouvée tout à fait remarquable.
- Je vous suis depuis des années, continue l'admiratrice. Je m'en veux d'avoir raté votre dernière exposition. J'adore vraiment ce que vous faites... Vos tableaux sont magnifiques... On dirait des photos !!!
FVH remercie, légèrement embarrassée par le compliment.
- Et vos modèles... Ils sont merveilleux... Vous en avez deux, n'est-ce pas ?
FVH rectifie d'un geste de la main : quatre, en ce moment.
- Et d'ailleurs, ajoute FVH en désignant Céline qui s'est légèrement écartée durant l'échange, en voici un.
- Ah oui ? répond la jeune femme avec un sourire à l'adresse de Céline. Ah, excusez-moi, mais avec votre col roulé, je ne vous avais pas reconnue.

- Et mes boucles ? proteste Céline en riant.

53) Pourvu qu'on aime

2007-11-27T06:09:00.000-08:00

Un jour, c'était en juin ou juillet 1980 à la Royal Academy of the Arts à Londres, je visite une exposition de tableaux et dessins d'Andrew Wyeth. Je suis accompagné par quelqu'un occupant de très hautes fonctions au Ministère de la Culture en France et faisant autorité dans le milieu de l'art officiel.
"Extraordinaire!" dis-je en sortant du musée.
"Pas d'accord," me répond mon compagnon, "ce n'est que de l'illustration."
Que faire devant quelqu'un qui ne voit pas la différence entre un tableau d'Andrew Wyeth et une oeuvre de Norman Rockwell (à une époque où ce dernier n'avait pas encore eu les honneurs des grands musées de son pays et était encore de surcroît assez universellement méprisé)? Ou quelqu'un qui ne voit pas la différence entre la technique d'un petit maître Flamand du XVIIe siècle et celle d'un hyperréaliste des années 1980 ? Ou entre un Van Hove et une photo ?
Sincèrement, je ne sais pas. Tout ce que je sais, ce sont les deux choses suivantes :
1, peu importe finalement que quelqu'un confonde Wyeth et Rockwell pourvu qu'il ou elle aime;
2, "voir" implique toujours un conditionnement, à commencer par "voir" une photo.
A ce sujet, j'ai récemment remis la main sur un article que j'avais trouvé dans le numéro du 5 mai 1975 de la revue "Le Photographe", écrit par le documentariste ethnologue J.-D. Lajoux à son retour d'expédition, et dont voici le passionnant début :

L'HOMME DEVANT SES IMAGES
"Ayant sorti de mon sac divers papiers et carnets de notes,je mis à jour quelques photographies faites une dizaine de mois auparavant, dans un village Dié des montagnes du Sud-Vietnam, séparé de celui où je me trouvais par une étroite vallée.
Un homme, près de moi, observait tous mes gestes. Je lui tendis une des photographies représentant une femme du village voisin, et je lui demandai tout naturellement : "La connais-tu ?"
Il prit la photo et, à mon étonnement, au lieu de regarder le portrait, la tourna et la retourna plusieurs fois, tout en la palpant entre le pouce et l'index. Puis il se mit à observer et détailler de près la surface blanche du dos de l'épreuve. Après quelques instants, posant sur moi un regard interrogateur où se glissait une lueur d'admiration, l'homme me demanda : "Comment peux-tu fabriquer une telle étoffe ? On ne voit pas les fils."
La question me coupa le souffle. Ces photos que j'avais eu soin de tirer et de transporter avec moi depuis la France pour les donner aux gens des villages que j'avais photographiés un an plus tôt, il semblait ne pas les voir. Pouvait-il ne pas comprendre que je lui montrais une image ? Son attention et sa curiosité étaient accaparées par la matière de l'épreuve. Lorsque je tentai de lui expliquer que je ne lui présentais pas un morceau de tissu, mais l'image du visage d'une femme du village voisin, je me rendis compte que mon langage était totalement énigmatique. [...] Force fut alors de me rendre à l'évidence, sa "cécité" était totale, et aucune des images qu'il manipulait ne fut perçue comme telle, par mon interlocuteur [...]"

52) Peinture

2007-11-25T08:16:00.000-08:00

La clientèle de Van Hove est extrêmement variée. A une extrémité de l'eventail, on trouve des gens pour qui ses tableaux sont des espèces de photos. Tandis qu'à l'autre extrémité de l'éventail, on trouve les amateurs qui considèrent les mêmes tableaux comme des fenêtres ouvertes sur un monde imaginaire aussi proche de la réalité et aussi différent que l'est la photo de... la peinture.Le fait que, dans un tableau comme "L'Essayage", l'on puisse reconnaître -plus ou moins comme sur une photo- une jeune femme s'admirant dans un miroir et une autre la regardant faire, ce fait est de toute façon essentiel dans l'approche picturale de Van Hove.
Je crois que je me suis déjà référé à cette formule de Maurice Denis souvent citée pour introduire à l'histoire de l'art dit moderne : "Se rappeler qu’un tableau - avant d’être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote - est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées." Eh bien, revenons-y une fois de plus et répétons que pour des peintres comme Van Hove, un tableau est certes une surface plane..., mais PAS AVANT d'être une femme nue...
Pas avant : EN MEME TEMPS.

51) Photo ?

2007-11-20T06:10:00.000-08:00

Pendant ses expositions, Van Hove a régulièrement l’occasion de rencontrer des gens s’émerveillant de ce que ses tableaux soient « aussi beaux que des photographies ».J’y pensais l’autre jour en visitant l’exposition « The Age of Rembrandt: Dutch Paintings in the Metropolitan Museum of Art » à New York. Les meilleurs artistes à l’époque considérée -entre 1600 et 1800-, aussi bien aux Pays-Bas qu'en Italie, étaient parvenus à une maîtrise technique qui pourrait leur valoir la même réflexion. Je dis « pourrait » au présent (du conditionnel) en me rappelant cette scène vue au Louvre, que raconte Van Hove dans un de ses livres, « d’un couple penché sur une œuvre d’un petit maître Flamand du XVIe siècle, et la femme s’exclamant à l’adresse de son compagnon, comme si elle venait de faire une découverte, ce qui était d’ailleurs le cas : « Regarde ! De l’hyperréalisme ! »
Comment Van Hove réagit-elle devant l’assimilation souvent faite de sa peinture à de la photographie, ou à de l’hyperréalisme (ce qui revient au même) ? Eh bien, tout dépend de la personne. Dans la bouche de certains, cette assimilation est de toute évidence un compliment et doit être interprétée comme tel. Dans la bouche d’autres, c’est une fin de non recevoir artistique devant laquelle on n’a d’autre ressource que de laisser passer la caravane.
Revenons à mon exposition du Metropolitan : de la photographie avant l’heure, oui, me disais-je en m’attardant devant le « Jeune homme et femme dans une auberge » de Frans Hals (1623). Mais EN MEME TEMPS tout autre chose qui s’appelle de la peinture figurative et qu’il faut être assez inconscient pour continuer à pratiquer 191 ans après la géniale invention de Nicéphore Niepce.

50) Ombres noires

2007-11-15T03:16:00.000-08:00

L’exposition s’est terminée le 8 de ce mois de novembre; le succès a été au rendez-vous, comme d’habitude une fois tous les deux ans. Elle a été l’occasion pour moi de rencontrer pas mal de gens consultant ce blog et m’encourageant à en faire plus, dont certains se sont d’ailleurs plaints de mon silence ces derniers temps. Mais j’ai cette excuse : je réfléchissais à une nouvelle manière de parler de Van Hove moins contrainte du point de vue intellectuel, et donc moins dépendante de l’opinion du peintre, sachant que celle-ci n’imagine pas justement qu’on puisse avoir une approche intellectuelle de son œuvre. (Et, pour commencer, qu’on puisse parler d’ « œuvre » à propos de son travail.)
Voici, en attendant de me lancer dans cette nouvelle aventure critique, un dessin qui a fait partie de l’exposition mais qui, arrivé sur le tard et tout de suite vendu, n’a pas eu les honneurs de la cimaise."Ombres noires", ça s'appelle.
Pastel et pierre noire, dessin préparatoire d'un tableau déjà en train.

49) Vernissage

2007-09-23T10:12:00.000-07:00

Le vernissage de l'exposition Van Hove 2007 a eu lieu le 13 septembre comme prévu.
Sur la photo ci-dessus : Alain Blondel et le peintre.
Simple et très harmonieux, l'accrochage réalisé par Michèle et Alain Blondel contribue au plaisir de la visite.
Les modèles sont venues en masse : photos au prochain numéro.

48) Camille

2007-09-07T09:07:00.001-07:00

Le vernissage de l’exposition est pour dans une semaine.
Rentrée de la campagne, Van Hove a travaillé avec un nouveau modèle qui lui avait été proposé(e) par Céline.Comme d’habitude avec un nouveau modèle, la peintre a commencé par quelques portraits au crayon pour vérifier que « c’est intéressant ».
Et c'est intéressant.

47) C'est l'automne en été

2007-08-22T08:11:00.000-07:00

Il a vraiment beaucoup plu à Château-Landon durant tout le mois d'août. Heureusement, comme je l'ai dit en 42), Van Hove s'était dépêchée de faire son "Prunier" dès son arrivée en juillet et n'a plus eu besoin de travailler dehors ensuite.Tout août, elle a donc peint en atelier, d'après modèles. Marion et Céline parties, ça a été au tour d'un miroir à trois pans de poser (pour "Pensive").Dans l'atelier, souvent Féli se perche en haut du chevalet comme une colombe au sommet d'un arbre. Et qu'on n'essaye pas de la déloger quand elle n'a pas envie de quitter son poste.

46) Le Vieux prunier

2007-08-18T01:53:00.000-07:00

Terminé.

45) Pensive

2007-08-15T09:05:00.000-07:00

Dans la réalité, à Château-Landon où elle prend ses quartiers d'été, FVH a deux tableaux en cours.
Le premier, "Le Vieux prunier", sera à l'expo.
Le second, elle ne sait pas encore, n'étant pas sûre de pouvoir le finir à temps.
En voici une photo : Le personnage se fait d'après Céline. Céline qui est aussi venue poser à Château, et qui y a croisé Marion.
(Chaque modèle a sa façon de parler de Van Hove : Marion dit "Francine", Julia dit "Van Hove" et Céline, elle, dit "ma" peintre : "Je ne peux pas vous voir, je dois aller poser chez ma peintre." "Ma peintre est passée me voir à ma galerie du Passage Choiseul".)

44) Pour le dossier de presse,

2007-08-12T00:39:00.000-07:00

le galeriste de Van Hove, Alain Blondel, a écrit sur l'art de son peintre un texte que je trouve personnellement admirable.
Voici ce texte :

"Les tensions se relâchent. Le bruit du monde s'éloigne. Les gestes s'épanouissent. De la scène les mâles sont absents... Non qu'on ne les aime pas, car il n'est pas question ici d'une guerre des sexes ; mais disons que, pour l'instant, la question de séduire ne se pose pas. D'emblée, cette tension est évacuée ; et c'est de sensualité pure, plus que d'érotisme, qu'il est question dans le tiède atelier devenu abri. La passion et son vocabulaire de bataille reste au vestiaire, avec les habits, justement. Les corps sont nus, mais les jeux de l'amour sont reportés à plus tard, dès le retour dans le monde ; c'est prévu, c'est promis. Seulement, pour l'instant, la pile se recharge. Et, dans ces représentations peintes, on découvre sa charge explosive.
Comment rendre compte de cela ? Van Hove, bonne observatrice et fin stratège, se tient modestement en retrait. Elle parle à son propos de « peinture lisse » et prétend vouloir se faire oublier dans sa facture. Voilà qui est plutôt singulier à entendre aujourd'hui. Elle se contente, dit-elle, de fixer des gestes sur la toile et démontre que, dans le monde féminin dont elle témoigne, le langage infiniment varié des attitudes est amplement suffisant pour suggérer le souffle calme, le battement rassurant de la vie au repos.
Dans cette familiarité si quotidienne, si éloignée des vanités sociales, les minutes ont tout le loisir de s'allonger. Le Temps, enfin, peut se faire oublier. C'est alors que l'a-modernisme (qui n'a rien d'un anachronisme) devient une vertu. C'est en tout cas le but vers lequel tend l'art de Van Hove. Le sujet est trop intemporel pour prendre le risque de le dater par une manière de peindre qui reprendrait les afféteries d'un jour et détournerait son sens. Pour parvenir à cela - sortir de son temps pour mieux être dans l'instant fixé - il faut posséder un métier incroyable. Pas de place ici pour des velléités. Il faut assumer la perfection. Elle en a les moyens.
Les femmes reconnaissent une part essentielle de leur vérité dans ces dessins et ces peintures. Elles y découvrent des sentiments qui n'avaient jamais été aussi clairement exprimés. Quant aux filles, elles peuvent, pour un instant, laisser tomber leurs armures, dentelles, ficelles. Combattantes et amoureuses au dehors, elles se retrouvent enfin seules devant des miroirs amicaux de glace, de papier et de toiles. Et s'en trouvent bien."

Une seule remarque de ma part : quand il parle de tensions ("qui se relâchent…"), Alain Blondel n'envisage que celles existant entre femmes et "mâles", que FVH évite effectivement en excluant totalement les mâles de son univers pictural. Mais tout le monde sait que des tensions de même nature peuvent exister entre femmes, et il me semble intéressant d'évoquer le fait que les rapports du peintre avec ses modèles femmes en sont également exempts.On se trouve bien, comme le note Alain Blondel dans la suite de son analyse, dans un en-deçà de l'érotisme.

43) Invitation à l'expo

2007-08-12T00:09:00.000-07:00

Voici le carton d'invitation à la prochaine exposition de Van Hove à la Galerie Alain Blondel.
Le vernissage aura lieu le 13 septembre au soir.
L'exposition durera jusqu'au 8 novembre 2007.
Adresse : 128, rue Vieille du Temple, 75003 Paris. (Attention, la Galerie a déménagé et donc quitté le plateau Beaubourg il y a déjà deux ans.)

42) Le Vieux prunier

2007-08-11T08:47:00.000-07:00

Dernières nouvelles de ce tableau de Van Hove dont j'ai déjà parlé dans mon message 38, "Le Vieux prunier", et qui sera le dernier de sa prochaine exposition.
Après avoir peint le personnage féminin dans son atelier parisien, FVH a gagné Château-Landon pour y peindre l'arbre. Sur le motif, bien entendu.Curieuse et pressée d'aboutir, le peintre s'y est mise d'arrache-pied dès son arrivée mi juillet. Heureusement, car deux semaines plus tard, ça a été des pluies incessantes et l'automne en plein été dans toute la région.
En fait, une fois l'arbre peint, pour des raisons d'équilibre de traitement entre les différents éléments, Van Hove a eu besoin d'une séance de plus avec son modèle qu'elle a pu faire venir de Paris pour le week-end du 11-12 août. Les avant-bras, mains, jambes et pieds ont ainsi été retravaillés.
Non, le tableau n'est pas encore tout à fait fini : une ombre entre l'arbre et le dos encore à régler.

41) Van Hove en anglais

2007-08-11T08:22:00.000-07:00

Deuxième question de Pascale du 17 juillet dernier, qui est une suggestion d’ailleurs : parler de Francine Van Hove en anglais.
"Do you intend to translate this fantastic blog in English?
I have plenty of English speaking friends who would love to read you. They love Francine Van Hove's work and they are anxious to learn more about her.
Also, could you publish on the blog all the texts which have been written and published about her? Like the prefaces of the books or the press release texts which have been sent before the exhibitions."
La réponse est simple et peut tenir en un mot : trac.
J’ai le trac de m’exprimer en anglais sachant que je ne suis pas sûr du tout d’arriver à le faire au niveau de subtilité requis s’agissant de la peinture de Van Hove. Mais c’est promis : je vais faire l’effort surhumain d’ouvrir un blog dans cette langue. Non seulement en pensant aux amateurs et clients de Van Hove purement anglophones, mais aussi, mais surtout parce que cela me semble dans l’ordre des choses qu’aujourd’hui, en Europe, tout le monde considère l’anglais comme sa seconde langue maternelle et la pratique en conséquence.
Merci Pascale.

40) Les titres des tableaux

2007-08-11T02:43:00.000-07:00

Je réponds maintenant à Pascale en ce qui concerne les titres des tableaux de Van Hove : si celle-ci avait le choix -si elle n’en avait pas besoin pour se repérer dans sa propre production-, elle laisserait ses tableaux sans titres. Et c’est ce qui explique que beaucoup de ses titres soient insignifiants. Quelques exemples ? « Le Café noir », « Le Bol penché », « Karen au verre de vin », « Anne au verre de vin », « Le Pot de confiture », « Le Tub ». Une insignifiance très significative du fait que, pour elle, ses tableaux doivent se suffire à eux-mêmes et pouvoir se passer de mots pour s'apprécier : accès libre de tout discours. Cependant, la peintre ne peut pas toujours être aussi minimaliste verbalement. Alors, de temps en temps, quand le sujet s'y prête, elle va plus loin en s’amusant. Et cela donne « Cène d’atelier », « Répétition générale », ou « Les Pieds dans les nuages ». Un de ses derniers tableaux (ci-dessus) fait écho à la légende de l’invention de la peinture telle que la raconte l’antique Pline l’Ancien. J’avais suggéré à Van Hove de l’appeler « L’Invention de la peinture », ou « La Naissance de la peinture », ou encore « L’Ombre de Dibutades ». Trop compliqué, m’a-t-telle répondu, pour ne pas dire trop littéraire et prétentieux. Et son choix à elle a finalement été « Le Dessin de l’ombre ». Ce qui est très bien comme titre, à mon avis, pour ne pas dire mieux.
Mais voici quand même cette légende de l’invention de la peinture dont la connaissance, si elle n’est pas nécessaire pour la compréhension de l’œuvre, peut présenter un certain intérêt pour l’amateur et éventuellement ajouter à son plaisir.
Ce qui suit est extrait d’un livre remarquable de Nadeije Laneyrie-Dagen que j’ai déjà cité dans ce blog, message n° 11.
« L’anecdote, répétée par d’innombrables auteurs du début du Moyen Âge jusqu’au XVIIIe siècle, constitue un des mythes fondateurs de l’histoire de l’art occidental, illustré à plusieurs reprises, encore dans les années 1800, par les peintres et les graveurs […] Le mythe de la naissance de l’art dans le monde européen tel que le rapporte l’écrivain Pline l’Ancien renvoie à l’histoire de la représentation d’une ombre. " Le premier ouvrage en ce genre fut fait en argile par Dibutades de Sicyone, potier à Corinthe, à l’occasion d’une idée de sa fille, éprise d’un jeune homme qui allait quitter la ville : celle-ci arrêta par des lignes les contours du profil de son amant […]""
Ainsi obtient-on une image dessinée qui fait illusion de présence.

39) Elle et Degas

2007-08-06T01:26:00.001-07:00

Je reprends après quelques semaines de vacances et réponds d’abord au message de Hellbay : bien sûr que le dessin que j’ai montré dans mon message n° 38 fait penser à Degas. Mais en quoi exactement ? Quoi de commun entre les deux artistes ?
Le thème de toute évidence : jeune femme à sa toilette vue de dos.
Mais aussi la manière de dessiner de Van Hove, dans la mesure où elle est classique italienne comme celle de Degas, avec cependant cette différence, par rapport à ce qui se passe chez ce dernier, que le dessin de Van Hove, toujours préparatoire à sa peinture, va généralement plus dans le détail, au niveau des mains et des pieds, par exemple.
Remarque : si son dessin rattache Van Hove à la même tradition italienne que son plus illustre prédécesseur, tel n’est pas le cas de sa peinture.
A ce sujet, voici un joli texte de Colette parlant des types humains qu'elle peut observer en Italie, puis citant Besnard à propos de peinture :
« Les beaux enfants. Plus beaux qu’on ne saurait dire. Chez certaines petites filles, la coupe de la paupière, l’abondance du regard, le fini du menton, et cette belle forme d’œuf, la pointe en bas, du visage. Des adolescentes émeuvent comme si elles sentaient bon. Tôt moustachues d’ailleurs, et tôt élargies, elles perdent cette finesse périssable, cette démarche à nobles jambes et à reins élégants. Des garçons aussi : le garçon en blanc de la via Veneto, douze, treize ans, jambes nues et cou nu, le cou avec cette attache qui n’est pas de chez nous, et l’assurance, mouvements et regards d’une créature qui peut tout affronter comme comparaisons.
« Ce sont ces beaux visages, dit Besnard, qui font chez nous les mauvais peintres. Un coloriste y perd sa joie et ses ressources. Ils ne se prêtent qu’au dessin. Où trouver, ici, une de ses carnations septentrionales qu’une lumière, un reflet, frappe et pénètre de vert, de violet, de bleu ? Allez donc trouver, dans ce pays, un modèle à qui un rayon fasse soudain le menton vert, la joue d’azur, et le sein comme une lampe d’opale ? »
Van Hove a appris à dessiner dans le Sud, mais à peindre dans le Nord.Et voici en conclusion un hommage impertinent de Van Hove au grand maître.